Mil Disculpas...

Hola Estimados lectores:
Debo pedir mil disculpas por abandonar el Blog durante todo este tiempo.
La razón es básciamente el tiempo, dado que estoy ensayando 2 obras de teatro que se estrenan ahora en octubre. Una en la que participaré como Actor y otra en la que participo, por primera vez en mi vida, como Director. Además estoy enseñando actuación en la Universidad de Lima y eso me tiene muy ocupado. Pero ya en estos días, prometo ponerlos al día en toda esta gran experiencia que ha sido ensayar estas dos obras. También revelaré de que obras se tratan y donde pueden ir a verlas.
Un abrazo
Arriba el Teatro!!
Raúl Sánchez

El Actor es Valiente

Ser Actor requiere de Mucha Valentía.

Primero, entender que en la Vida recibimos constantemente un Bombardeo de Estímulos Emocionales

(que día a día obviamos y creemos cotidianos), así que hay que entrenarnos para percibirlos.

Luego, dejar de Defendernos y Recibir de la forma más Masoquista posible todos esos estímulos.

Por si fuera poco, dejar que estos estímulos nos Afecten y Entregarnos a ellos.

Ser Actor requiere de Mucha Valentía.

Raúl Sánchez

Teatro: Profesión para Tercos

Recuerdo que hace un tiempo, le dije a un compañero con el que recién me iniciaba en el mundo de la actuación, en aquellas épocas en las que hacía musicales en el Teatro Julieta: “¿Te haz dado cuenta, que si PERSEVERAMOS, seremos los próximos grandes actores de este país?¿Si no somos nosotros, entonces quién?”

Hace poco, mi colega actor y Blogger, Alonso Chiri, publicó en su Blog una entrevista a David Carrillo (actor, director y productor), en la cual David, entre otras cosas muy interesantes, dijo algo que me gustó mucho: “El Teatro es para Tercos”.

Si bien es cierto que el teatro en nuestro país está creciendo a nivel de producciones, asistencia de público y propuestas variadas, nuestro teatro aún está en pañales. El campo laboral es aún reducido y el actor debe luchar mucho para que la remuneración sea razonable como para vivir. Lograr vivir de la actuación es POSIBLE, sin embargo no todos lo logran.

¿Quienes lo logran? ¿Quienes son aquellos en los que hoy en día son considerados exitosos en este medio? Los Tercos que Perseveran.

Creo que alguien que quiere hacer teatro, estudiar actuación o aspira a ser director de obras, debe empezar por preguntarse: ¿Por qué quiero hacerlo? Si la respuesta es: “Quiero ser Famoso” o “Quiero ganar Dinero”, entonces, cariñosamente les aconsejaría, que buscaran otra profesión. Para mí, el Dinero NO puede ser un Objetivo al momento de ejercer una profesión. Es una Consecuencia. El dinero y las oportunidades laborales llegan si es que uno hace las cosas bien, con pasión. Por lo tanto, iniciar una carrera pensando en el dinero que pueden conseguir, solo les traerá elegir una carrera que quizá no les guste y que por lo tanto no la harán bien, ergo, el dinero y el éxito difícilmente llegarán.

En cambio, si la respuesta a esa pregunta es: “Por que me Apasiona” o “No me veo haciendo otra cosa en mi vida”, entonces, esa Pasión será tu gasolina para Perseverar y te dará la Terquedad suficiente como para dar la contra y decir en voz alta y con seguridad: “Si se puede”, “Yo lo haré”.

Tengan esta imagen siempre en su cabeza. Muchos inician, algunos continúan y pocos llegan. Ser uno de esos pocos solo lo determinará la entrega y la perseverancia. Los que no lo son, se han eliminado solos de la carrera.

Seamos entonces….UNOS TERCOS.

“La Noche Árabe” de Roland Schimmelpfennig

Ayer hice efectiva una entrada doble que gané en un concurso de Twitter para ver “La Noche Árabe”. Obra que ya fue puesta en escena anteriormente por el grupo Ópalo y que ahora se presenta en el ICPNA de Miraflores.

Bajo la dirección de Jorge Villanueva, esta obra escrita por el dramaturgo alemán Roland Schimmelpfennig, nos cuenta como un pequeño detalle, unos cuantos sueños y los recuerdos, cambian por completo un día que aspiraba desde un principio, ser cotidiano. Una mujer semidesnuda, un sofá, tres hombres, una amiga fiel y el sonido incesante del agua en las paredes, acompañan constantemente al público y lo obligan a estar pendientes de todo detalle y dirigir su mirada de un lado a otro del escenario. Una obra realmente dinámica.

Hay cuatro factores que a mí como espectador, fueron los que más me gustaron. Como base, la dramaturgia. Escrita de una manera en que los personajes van narrando las cosas que van sintiendo y viendo a medida que van ocurriendo. Esto logra que uno como espectador se sienta, no solo veedor de la vida de estos personajes, sino que también puedan adoptar e identificar paso a paso el mundo interior de los personajes. La escenografía, una obra de arte en base a escaleras de manera y tablones, que al ser tan bien narrada la historia, uno realmente llega a asumir que está observando los interiores de un edificio. Las actuaciones, precisas. No es nada fácil llevar a cabo una obra donde todos los personajes están siempre en escena, desplazándose de un lado a otro, asumiendo diversos espacios, y hasta dimensiones oníricas, manteniendo el ritmo, veracidad, y separando el texto hablado en dialogo al texto que narra el mundo interno de cada uno. Realmente es un gran mérito para los actores. Y por su puesto la dirección. Una obra tan compleja sería imposible de entender con claridad de no ser por el buen trabajo del director. En esta oportunidad, entendí todo y lo disfruté.

Realmente así da gusto ir al teatro. Con una cartelera diversa en estilos y propuestas. Jamás había visto una obra escrita y dirigida de esta manera, ahora puedo decir que me gusta. Es bueno tener grupos de teatro que llevan a un extremo sus propuestas manteniendo la limpieza, claridad y verdad. De no ser así, sería una anarquía y una falta de respeto al público.

Actúan: Elsa Olivero, Kareen Spano, Diego Lombardi, Marcello Rivera y Juan Carlos Morón.

Vayan, la verdad se los recomiendo. Luego me comentan si están o no de acuerdo conmigo. Les recuerdo que mi Blog jamás pretende ser de críticas teatrales, pero si de mis propias experiencias y apreciaciones acerca de este arte tan bello y apasionante. Y a mi esta obra, me gustó.

Funciones Del 22 de abril al 9 de mayo del 2010
Lugar Auditorio ICPNA Miraflores (Av Angamos Oeste 160 MIraflores)

Venta Módulos de Teleticket de Wong y Metro

Precios General s/.30.00 Estudiantes s/.20.00

Sigan al Grupo Ópalo en Twitter y Facebook y quien sabe, se ganan entradas también.
http://twitter.com/Opaloteatro
http://www.facebook.com/?ref=home#!/pages/Opalo/109721035728237?ref=ts

VI Campeonato Profesional de Impro Sport

La Improvisación Teatral como espectáculo nace en Canadá. Considerado el único deporte teatral, ya que cuenta con un reglamento oficial, réferis/jueces y equipos luchando por ganar. En nuestro país, Ketó Impro es una de las escuelas que han asumido el reto de difundir y enseñar el arte de la Improvisación. Teniendo ya años de experiencia en el campo y logrando formar grandes improvisadores, nos brindan cada temporada, espectáculos de calidad.

En esta oportunidad, inician el VI Campeonato Profesional de Impro Sport. Nueve equipos, conformados por tres o cuatro improvisadores, compiten entre si por formar la mejor historia, improvisada en el momento, de un mismo título. El resultado es hilarante. Las risas son inevitables en el público al ver como estos improvisadores se esfuerzan por mantener una historia viva, con una continuidad lógica y sin romper ninguna regla del juego.

Como en todo juego/deporte, se necesita de autoridades que velen por el buen manejo del juego sin infringir el reglamento, evitando así una anarquía que resultaría en el poco disfrute del público (porque debemos recordar, que el objetivo, es el bienestar del público). En esta oportunidad, los que tienen esa tenaz labor, son Paco Caparó y Alejandro Escudero. Veedores de la ley.

Lo más interesante de este espectáculo es que, como público, somos parte IMPORTANTE. Nosotros elegimos al ganador. Utilizando la democracia y una paleta bicolor, nos encargamos de elegir al mejor equipo.

Bajo la conducción del mismo director de la escuela, Sergio Paris, este espectáculo es diversión asegurada.

Todos los miércoles desde el 14 de Abril al 14 de Julio, usted ya tiene una opción para relajarse y reír como nunca. El Satchmo de Miraflores es el Ring de este campeonato.

¡Que corran las apuestas!

Más información…
http://improsportprofesional.blogspot.com/
http://www.ketoimpro.com/

Entrevista en "Out Perú"

Raúl Sánchez, creciendo como actor

Entrevista por Antonio Capurro

Revista Web "Out Perú"

http://www.outperu.com/

http://outperu.com/home/index.php?option=com_content&view=article&id=371:raul-sanchez-creciendo-como-actor&catid=39:gran-slidehez

Raúl Sánchez es un joven actor peruano con mucha pasión por el teatro, con unas enormes ganas de seguir destacando sobre las tablas y continuar aprendiendo lo aprendido en su formación actoral, a punto de participar en la próxima obra dirigida por Alberto Isola, Raúl nos ofreció esta entrevista donde hablar de lo que más sabe, el teatro y la actuación, apasionado por el arte como lo es su filosofía básica de vida: "Vive la vida Intensa y Apasionadamente. Sin hacerte daño. Sin hacerle daño a nadie. Todo lo demás, está permitido."

Entrevista por Antonio Capurro

¿Cómo te inicias en el mundo de la actuación?

Como muchos, en el colegio. Tuve la suerte de estudiar en un colegio con un programa de Teatro dictado por Sandro Calderón. Luego las cosas se fueron dando y fui parte de un grupo amateur de jóvenes que hacían teatro musical. Así descubrí que era lo mío, así que lo estudié. Llevé un taller de un año con Leonardo Torres Vilar. Egresé y ahora soy profesor en lo que antes era ese taller y ahora es el Conservatorio de Formación Actoral del Británico, con dos años de duración y un staff de profesores de primera. Creo que mi gusto por la actuación nace de varias búsquedas en mí. Una de ellas es lograr el alma predomine más que el cuerpo, que es lo que ocurre cuando estás comprometido y entregado en un escenario. Otra razón es el miedo personal a la muerte. Creo que la gente permanece viva mientras alguien lo recuerde. La actuación en ese sentido es un buen camino para dejar algo en el corazón de los que alguna vez te vieron actuar y así alcanzar la inmortalidad.

En el Perú ser actor no es una profesión fácil pero si enriquecedora, ¿qué ha sido lo más difícil en tu corta pero fructífera carrera?

Creo que es algo con lo que aun sigo trabajando. Me refiero al crecimiento como actor. Es una carrera que requiere de mucha dedicación. Un crecimiento constante es necesario para mantenerse al nivel requerido por un medio tan exigente. No podría decir que la economía es un factor que me preocupa de esta profesión porque soy de los que creen que cuando haces algo que te apasiona, lo haces bien, por lo tanto, la economía llega como consecuencia. Y como bien lo haz dicho en tu pregunta 'en mi corta pero fructífera carrera' a sido siempre así. Apasionada y con consecuencias 'fructíferas' en todo sentido.

¿Te gusta más actuar o enseñar a otros? ¿Cómo te sientes en cada rol?

En mi caso, no hay nada como actuar. Si bien es riquísima la experiencia de enseñar (que dicho sea de paso significa un aprendizaje constante para mi), no hay nada como entregar tu alma y compromiso en un escenario. En la dirección he tenido poca experiencia, realmente he sido asistente de dirección de Leonardo Torres Vilar en dos obras (una en la Universidad de Lima y otra para el Conservatorio de Formación Actoral del Británico). Sin embargo es muy satisfactorio ver como una idea tuya, un aporte, es plasmado en una obra de teatro a beneficio del buen entendimiento, claridad y realidad que el público se merece. Es una experiencia muy enriquecedora.

¿Hacia dónde quieres dirigir tu carrera como actor, a interpretar más personajes de carácter o protagónicos?

La idea de retarme a mi mismo siempre ha sido tentadora. Me encantaría interpretar personajes jalados de los pelos, casi satíricos, sin faltarle a la realidad. Oportunidades de hacer eso hay pocas. Me encantaría que en ese sentido exista un Tim Burton en el Perú y me tome como su actor fetiche como a Johnny Depp (risas). Quisiera dirigir mi carrera como actor por un camino lleno de retos que me obliguen a crecer como artista. Un personaje de carácter siempre es bienvenido, sea o no un protagónico.

¿Te sientes más seguro cuando un director te da más indicaciones o cuando te deja improvisar? ¿Cuando asumes un reto actoral te gusta investigar mucho, de que forma te preparas?

Creo que un buen director es el que permite al actor ser creativo durante los ensayos. El actor, bajo ninguna circunstancia, debe ser marioneta de un director. El actor es un ser creativo y con criterio. Hay que dejar que el actor explore y proponga. Sin embargo, el trabajo del director, es tomar todas esas propuestas y canalizarlas junto con marcaciones e indicaciones como para que la obra pueda ser contada, con claridad y verdad, respetando lo que el autor quería decir con la obra desde la visión del director y con las propuestas de vida que le da el actor. Es todo un trabajo en equipo. Felizmente me he topado con buenos directores.

¿Cuál ha sido el papel que te ha demandado más exigencia o con el cual crees haber destacado más?

El año pasado estaba yo asistiendo en dirección en una obra que era el Proyecto Final de los Alumnos egresantes del Conservatorio. Dos semanas antes del estreno uno de los actores se accidenta, así que tuve que asumir su personaje. Representaba un reto no solo por el poco tiempo que tenía yo para asumir el personaje, sino también porque el personaje era de un hombre mucho mayor a la edad que realmente tengo. Tuve que trabajar el peso de un hombre a esa edad. Fue todo un reto.

Trabajas no solo en obras de teatro sino también has hecho comerciales, videoclips, cortometrajes y tevé, ¿qué tal la experiencia con esto? ¿Te preparas mucho antes de ir a un casting?
De hecho, lo primero que hice frente a cámaras fue un Videoclip de Gianmarco hace cuatro años dirigido por Percy Céspedes, fue toda una experiencia. Luego vinieron los cortometrajes universitarios e independientes. Cada uno una experiencia distinta, pero siempre con un trato muy amable y respetuoso de parte de la producción. Debido a que la docencia llegó en mi camino a una temprana edad, no me he enfocado mucho en hacer castings para televisión. Recién este año estoy un poco tratando de entrar a ese medio. Lo máximo que he logrado recién es hacer unos bolos para algunas miniseries. Poco a poco será.

¿Te gustaría más estar en la televisión si se diera la oportunidad?

Si claro. Como en todo medio (Cine, Teatro, etc) hay producciones de mi agrado y otras que no tanto. No por eso no debemos darle una oportunidad al medio. Sobre todo porque es, como mencioné antes, un oportunidad de crecer, un reto.

¿Cómo ves el desarrollo del teatro en el Perú, en Lima hay varios grupos y compañías, pero crees que se ha masificado?

Creo que hay teatro y producciones que han crecido mucho. Lo cual es un gran avance y una gran alegría para mí. Es un placer poder ver hoy en día que existan vallas publicitarias dedicadas al teatro, que hace solo un par de años no había. Sin embargo, no creo que se pueda hablar aún de un 'boom' en el teatro. Es necesaria la apertura de nuevos teatro y espacios alternativos. También es necesario culturizar a la gente, de mi generación sobre todo, que el teatro es una muy buena opción. Conozco mucha gente que no va al teatro porque dicen que es aburrido, sin embargo, jamás han pisado un teatro ¿Cómo pueden saber entonces que es aburrido? Conozco también gente que fue alguna vez a una obra de teatro y no le gustó, por eso ya no va al teatro. Yo me pregunto ¿Cuando ves en el cine una película que no te gustó, dejas de ir al cine? ¿Empiezas a decir que el Cine es aburrido? Una ves que exista esa cultura teatral, como lo hay en Argentina y otros países vecinos, las empresas privadas apostarán cada ves más por el teatro.

¿Qué debería hacerse para que exista una cultura teatral?

Debe ser parte de nuestra formación desde el colegio. Si bien no debería ser obligatorio para un niño ir al teatro (considerando que al obligarlo podrías ahuyentarlo), creo que si debería ser una opción mucho más valorada que el entretenimiento al que hoy en día nuestros niños están acostumbrados. Hasta hace no mucho habían programas 'infantiles' donde cada semana invitaban a un grupo nuevo de reggaetón y de cumbia. ¿Qué de infantil tiene eso? ¿Qué beneficio educativo puede tener un niño de eso? Lleven a sus hijos al teatro, créanme que es una experiencia que recordarán por siempre.

Coincido contigo, siempre que puedo voy al teatro y es una experiencia irrepetible y única estar delante de los actores, pero por ejemplo en la más reciente he tenido la sorpresa de ver a gente joven entusiasmados con la obra como “El Señor de las Moscas”, y claro he visto que se hace teatro infantil, sería bueno que los municipios locales apoyen esto y hagan obras con temas donde se involucren los jóvenes.

Tengo el placer de conocer a la gente involucrada en 'El Señor de las Moscas'. Lo que ellos han logrado es algo que abrirá las puertas de muchos próximos grupos jóvenes. Felicito y aplaudo también a Plan 9, que en este caso les brindó el apoyo necesario para que estén donde están ahora. Demuestran que un nuevo grupo de teatro si puede llegar a ser exitoso en taquilla y en un teatro tan bello como el Vargas Llosa. Sobre todo demuestran, que el teatro también es para los jóvenes.

¿Has tenido la oportunidad de viajar y ver teatro de otras partes del Perú o interactuar con ellos por la web?

Uno de mis planes este año es viajar a Canadá a visitar a mi hermana por navidad. De paso quisiera ver como es la movida de teatro allá. Tratar de traer ideas positivas que estén funcionando allá como para poder mejorar acá. Gracias al Twitter, al Facebook a mi Blog, he podido conocer actores y directores de diversos países (Colombia, México, Paraguay) y la verdad que es muy interesante compartir experiencias y anécdotas con colegas en el extranjero. Se aprende mucho.

Quizá no sea una pregunta muy fácil de contestar, pero ¿cuáles son las obras de teatro que te han gustado y cuáles crees que son los mejores actores peruanos?

Uff! Te tendría que dar una larga lista por géneros (risas). Pero las que marcaron más en mi fueron 'Art' de la dramaturga Yasmina Reza, que se presentó en La Plaza Isil hace unos años. 'Esta obra es un desastre' dirigida por Ricardo Morán, que considero que es la mejor obra cómica que he visto en mi vida. 'Las Brujas de Salem', 'Respira', 'La fiesta del Chivo'. Entre los actores que se me vienen a la mente debo mencionar a Bruno Odar, Alberto Isola, Carlos Gassols y Leonardo Torres Vilar. Entre las actrices debo mencionar a Delfina Paredes, Norma Martínez y Wendy Vásquez.

Además de ser actor y ser profesor, tienes un blog donde hablas de este maravilloso arte, ¿cómo así decidiste empezar el blog y a qué público que no pensabas has llegado?

Mi hermana es el ser más importante en mi vida. Gracias a ella y a mi cuñado, soy lo que soy ahora. Apostaron por mí ciegamente. Ellos ahora radican en Canadá, así que me pareció una buena idea abrir un Blog con el tema que me apasiona y al que trabajo gracias a ellos, como para que pudieran estar enterados de mis avances, paso a paso. La verdad que no me imaginé que tendría tanta acogida. Recibo comentarios positivos de muchos jóvenes que como yo, se lanzan a esta aventura de hacer teatro. Me llena de felicidad saber estoy ayudando a muchos a seguir adelante o dar ese primer paso al que todos tememos.

Si no fueras actor ¿qué profesión hubieses elegido o no te ves haciendo otra cosa?

Muchas veces me he hecho esa pregunta y siempre me respondo lo mismo. Me gusta la psicología y las comunicaciones, pero para que elegir una de ellas si con la actuación tengo a ambas. No, no me veo haciendo otra cosa.

¿Qué planes próximos, alguna obra, estás ensayando algo?

Ahora estamos en proceso de audiciones para la nueva promoción del Conservatorio, los cuales empezarían a estudiar en mayo por lo que yo retomaría la enseñanza en esa fecha. Por ahí hay algunos proyectos de actuación que ojalá se concreten durante el año. En julio inicio ensayos de la obra 'Madre Coraje' dirigida por Alberto Isola que se presentará en octubre en el Teatro Británico. Lo demás es parte de la bella incertidumbre con la que vive el actor.

Todo un honor ser dirigido por Alberto Isola.

Si, será todo un honor. Y mi objetivo en todo el proceso, será aprender y absorber todo lo que sea posible como si fuera una esponja.

¿Tú eres un actor de escuela pero crees que esto es siempre necesario o no?

Creo que el actor necesita de lo que yo llamo las tres 'T': Técnica, Trabajo y Talento. La técnica es algo que se estudia. Si la considero necesaria, uno no debe fiarse de su carisma y talento natural. El trabajo depende de nosotros, es el empeño que le pongamos a nuestra labor. Y el talento, bueno, algunos dicen que se nace con él o no. Otros dicen que todos nacemos con él, pero hay quienes lo desarrollan más rápido.La idea en la revista es darle la oportunidad al talento joven como tú para que muestren su arte, ha sido un placer charlar contigo.Igualmente Antonio, algo más, de hecho me gustaría a todos tu lectores a lean mi blog.

http://mividayarte.blogspot.com/

http://twitter.com/RaulSanchez_

¿COMO SE SIENTE SER ENTREVISTADO POR PRIMERA VEZ? ¿IMPORTANTE? ¿FELIZ? ¿SIENTES QUE HAS LOGRADO ALGUNA META TRAZADA? ...

Siento que para ser conciderado por una Revista Web como "Out Perú", alguien que valga entrevistar, quiere decir que es un indicador de que estoy creciendo. Lo más interesante es la gente que lee la entrevista. Ese es aun mayor indicador de creciemiento.

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"Raúl Sánchez: Creciendo como Actor" - Entrevista que me hicieron en "OUT PERU"

Hola mis queridos seguidores y lectores.
Les dejo el Link de una entrevista que amablemente me hizo Antonio Capurro de la Revista "OUT PERU" acerca de mi carrera como actor. Espero que les guste. Comenten!!!

http://outperu.com/home/index.php?option=com_content&view=article&id=371:raul-sanchez-creciendo-como-actor&catid=39:gran-slidehez

¿SI TUVIERAS QUE ESCRIBIR UN LIBRO? ¿QUE TEMA TRATARÍAS? Y ¿POR QUE?..

Hay muchas opciones, tengo en mente uno con un título muy sugestivo acerca de como las mejores mujeres se enamoran del peor hombre. Otra opción sería utilizar como modelo al mejor dramaturgo de la historia (Shakespeare) y tratar de continuar su estilo, sabiendo que fracasaría en el camino obviamente. Y sería colaborador de un libro que le llamaría "El Portero de la Perra", la biografía de mi abuelo.

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¿QUE PAPEL NUNCA INTERPRETARÍAS?

No se si exista ese papel. En todo caso, si rechazo algo no es por el papel, sino por la propuesta de puesta en escena asumo.

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¿Que papel sueñas con interpretar?

Uff..Cualquiera que me rete. Se que soy capaz de hacer Hamlet. Me siento capaz.

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y cual es esa obra "de las más esperadas" en la que estarás actuando, para ir a verte?

Aun no se si es pertinente adelantar detalles. Si puedo decirte que estrena en octubre y que es una obra fenomenal. Separa esa temporada.

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dicen que Shakespeare le escribió sus sonetos a un amante hombre. Tú qué piensas? Te parece que la sensibilidad de esas estrofas es una sensibilidad homosexual?

La sensibilidad no es necesariamente una cualidad homosexual. Creo en todo caso, que es la sesibilidad de un artista.

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Sanford Meisner: El hombre que Evolucionó “El Método”

Este artículo en particular, será un placer personal escribirlo. El goce que tendré al publicarlo es casi indescriptible con palabras. Solo me queda decir, que es un honor presentarles en este artículo, a un maestro indirecto pero nada ajeno a mi. El creador de la técnica de actuación la cual yo, procuro humildemente siempre aplicar al pie de la letra tratando de hacer honor a su nombre. Técnica la cual tengo el honor y gran responsabilidad también, de difundir a mis alumnos día a día, esperando no faltarle a su origen. Con ustedes: Sanford Meisner.

Nacido el 31 de agosto, en Brooklyn. A una temprana edad, descubrió un gusto por tocar el piano, gracias a que tenía un buen oído para la música. Eventualmente, ingresó al Damrosch Institute of Music (ahora conocido como Julliard School of Music). A raíz de los problemas económicos de la época, su padre dejó de pagarle los estudios y lo puso a trabajar en los negocios de la familia. Una vez concluidos sus estudios escolares, Meisner comenzó la carrera de actor. Conoció así al hombre que luego cambiaría su vida. Empezó actuando en obras chicas en el Lower East Side's Chrystie Street Settlement House bajo la dirección Lee Strasberg. Ambos ingresaron luego al Theatre Guild of Acting, donde actuaron juntos en algunas obras. En 1931, estos dos jóvenes actores, junto con otros 28 actores, formaron un grupo de teatro llamado The Group Theatre. Grupo del cual, tiempo más tarde, saldrían los más grandes maestros de la actuación americana. The Group Theatre se desintegra en 1940 debido a que cada miembro tenía un enfoque distinto de cómo se debería llevar la Técnica de Stanislavsky en ejecución. Lee Strasberg se enfocó en la importancia de la memoria emotiva para llegar al estado creativo necesario en el actor. Stella Adler, también miembro del Group Theatre, viajó a entrevistarse con el mismo Stanislavsky y regresó satanizando la memoria emotiva argumentando que Stanislavsky la consideraba innecesaria y hasta nociva para la psicología del actor. Strasberg, junto con Elia Kazan, fundan The Actors Studio, donde continuaron con las enseñanzas de la técnica según el enfoque de Strasberg, lo cual se conoce hasta el día de hoy como “El Método”. Stella Adler fundó The Stella Adler Conservatory en donde enseñaba un enfoque de la técnica más “amigable” siendo la Imaginación y la Acción las bases de su metodología. Sanford Meisner abrió The Neighborhood Playhouse en Nueva York, donde enseñaba su enfoque único de la técnica basándose en las enseñanzas “sanas” de Strasberg y el uso de la imaginación de Adler, incorporándole un elemento fundamental que evolucionó la actuación en el mundo entero, la escucha y la reacción al otro, viviendo subjetivamente la vida del personaje. A este novedoso y efectivo enfoque se le conoce hasta el día de hoy como La Técnica de Meisner.

No quisiera profundizar en La Técnica de Meisner por una simple razón, creo no poder ser capaz de englobar dignamente tanta información y como es debido para que sea entendida como tal, en un solo artículo. No tengo intenciones de faltarle el respeto a una técnica ni a un hombre al que le debo tanto. Sin embargo, puedo dar mis apreciaciones al respecto. Debo confesar, que a mi humilde parecer, es una técnica completa, eficaz y sobre todo, adaptable a todo medio (si bien es un entrenamiento para teatro, puede adaptarse a cine y televisión). La vivencia plena que sugiere esta técnica y el compromiso de escucha y conexión, son los medios por los cuales una realidad intensa es puesta en escena por el actor. Nos ayuda a tener personajes vivos, presentes y llenos de sinceridad. Superando las barreras del naturalismo, se llega a un realismo intenso y verosímil. La realidad del hacer, jamás fingir, nunca preplanear y dejarse llevar por un impulso son solo algunos de los factores de la técnica.

En nuestro país solo hay un lugar donde se enseña dicha técnica. El Conservatorio de Formación Actoral del Británico cumple ya cuatro casi años difundiendo esta técnica utilizada por personalidades de la actuación mundial tales como Sandra Bullock, James Caan, Steve McQueen, Robert Duvall, Gregory Peck, Jack Lord, Bob Fosse, Diane Keaton, Peter Falk, Jon Voight, Jeff Goldblum, Grace Kelly, James Doohan, Manu Tupou, Tony Randall, y Sydney Pollack (algunos de los mencionados fueron alumnos directos de Sanford Meisner).

El responsable de traer esta técnica a nuestro país es Leonardo Torres Vilar, que en Nueva York estudió dicha técnica con profesores instruidos algunos por el mismo Sanford Meisner.

Los dejo con algunas de sus frases célebres que describían no solo tu técnica, sino también su templanza y carácter.

"Acting is the ability to live truthfully under imaginary circumstances."
"The seed to the craft of acting is the reality of doing."
"You know it's all right to be wrong, but it's not all right not to try."
"There's no such thing as nothing."
"Less is more!"
"An ounce of behavior is worth more than a pound of words."
"Silence has a myriad of meanings. In the theater, silence is an absence of words, but never an absence of meaning."
"May I say as the world's oldest living teacher, 'Fuck Polite!"
"Acting can be fun. Don't let it get around."

¿Y qué hice el Día Mundial del Teatro?

Como era de esperarse, me fui al teatro. Aunque en esta oportunidad especial, por partida doble.

A las 4.00 PM, estaba yo estacionando mi bicicleta en el Parque María Reiche en Miraflores. No para pasar un lindo día de caminata en el parque, sino para ver una función de “La Chica del Chicle Globo y El Chico que Soñaba con Nubes de Leche”. Con un título tan largo e inocente, tenía que ser algo interesante. Pues así fue. Performance de Teatro-Danza interpretado por Karine Aguirre y Pablo Saldarriaga. Realmente tierna, bien interpretada por ambos y altamente recomendable para todo público. En pleno parque María Reiche y totalmente gratuito. Ejemplo de arte para todos.

Luego tomé mi bicicleta y me dirigí al Teatro Mocha Graña para ver la penúltima función de la obra “Un Director” y para ver en que podía ser útil. Dar una mano, el día mundial del teatro, debe tener doble mérito. La directora me dijo que si podía leer yo el Mensaje Nacional por el Día del Teatro de este año escrito por Alfonso Santisteban. Obviamente, no rechacé la propuesta. Así que tuve el honor de leerlo previo al inicio de la función. Mensaje muy emotivo, inspirador y lleno de sensaciones personales através de experiencias del mismo Alfonso Santisteban.

La verdad lo celebré como era debido. Llenándome de la magia del teatro, esta vez, como espectador.

¡Día Internacional del Teatro!

Todos los 27 de Marzo desde hace ya cuarenta y nueve años se celebra el Día Internacional del Teatro. Creado en 1961 el International Theatre Institute (ITI), ente asociado a la UNESCO, con sede en París, por iniciativa del finlandés Arvi Kivimaa.

Cada año, en dicha fecha, antes de empezar la función, es leído un mensaje escrito por alguna de las destacadas personalidades del teatro mundial. Arthur Miller, Peter Brook, Laurence Olivier, Pablo Neruda, Eugéne Ionesco, Antonio Gala, Edward Albee o Robert Lepage son solamente algunos de los ilustres nombres a los que se les encargó un mensaje para lanzarlo a los cuatro vientos como bandera de los teatreros del mundo en tan señalada fecha.

Este año el honor ha recaído en Judi Dench, actriz británica de dilatada y exitosa carrera que, justamente, a comienzos de los años 60 se enrolaba en la Royal Shakespeare Company después de haber debutado, en la década anterior, en Liverpool con un "Hamlet". Ganadora del Oscar por su interpretación de la Reina Isabelle en la película “Shakespeare in Love”. También participó en la obra y versión cinematográfica de “Nine”. Su mensaje es el siguiente:

"El Día Mundial del Teatro es una oportunidad para
celebrar el Teatro en todas sus múltiples formas. El Teatro es una fuente de
entretenimiento e inspiración, y tiene la habilidad de unificar las diversas
culturas y a las gentes de todo el mundo. Pero el teatro es mucho más que eso y
también brinda oportunidades para educar e informar. El teatro se representa en
todo el mundo y no siempre en los escenarios tradicionales. Las representaciones
pueden suceder en un pequeño pueblo de África, en una montaña en Armenia o en
una pequeña isla del Pacífico. Todo lo que necesita es un lugar y un público. El
Teatro tiene la habilidad de hacernos sonreír, de hacernos llorar, pero también
debería hacernos pensar y reflexionar. El Teatro surge a partir del trabajo en
grupo. Los actores son las personas que se ven, pero hay un gran número de
personas a las que no se ve. Son tan importantes como los actores y sus variadas
y especializadas habilidades hacen que una producción sea posible. También
deberían compartir los triunfos y los éxitos que puedan ocurrir. El 27 de marzo
es oficialmente el Día Mundial del Teatro. Por muchos motivos todos los días
deberían ser considerados días del teatro, porque tenemos la responsabilidad de
continuar la tradición de entretener, de educar y de iluminar a nuestras
audiencias, sin los cuales no existiríamos."

Judi Dench.

Este año coincide con “La Hora del Planeta” en donde se apagarán las luces en el mundo entero de 8.30pm a 9.30pm. Así que les propongo algo: Apaguen las luces en sus casas y vayan al teatro, que habrán muchas buenas opciones y de calidad.

"Un Director"

Una de las tantas cosas que me emocionan de esta profesión, es ver a la gente que te rodea crecer, ya sea a tu lado o independientemente. Siendo tan difícil un medio como este, el mérito es doble.

Hace un tiempo me enteré que una amiga llamada Jimena del Sante se lanzaría a dirigir su primera obra, luego de egresar del taller de dirección de Jorge Chiarella. Iniciativa la cual aplaudí considerando que ella tiene nada más y nada menos que 19 años de edad. Al poco tiempo me contó que consiguió teatro, nuestro querido Teatro Mocha Graña. Luego me enteré que la obra que dirigiría sería “Un Director” de José Enrique Mavila, obra que ya fue puesta en escena en nuestra ciudad en el año 2004, producida por Plan 9 y dirigida por Giovanni Ciccia.

Ayer, luego de casi dos semanas de su estreno, recién me tomé el tiempo de ir y apoyar a esta novel directora. Cuando me entregaron el programa de mano, noto que en el reparto, escritas en letras un poco más grandes, se encuentra el nombre de Paco Caparó. Nombre que se me viene a la mente cuando pienso en los eventos de Impro que alguna vez he visto tanto del Grupo Ketó. Estaba ansioso de verlo en un personaje de tal exigencia como la de El Director. Sigo leyendo y veo tres nombres más que jamás había visto, no los conocía yo personalmente, lo cual lo hace más interesante aún. Cuando uno va a ver una obra y ve en el elenco nombres conocidos, va con la idea de ver un trabajo interpretado por la persona en mención y a ver como asume ese reto, sin embargo, cuando los nombres son desconocidos, existe aún mayor expectativa, quizá por la idea de la posibilidad de los dos polos opuestos: O bien me encanta la actuación, o me desagrada. En este caso, me llevé una muy buena impresión de estos tres chicos, cuyos nombres, luego de ver la obra, recordaré y apostaré por verlos en más obras. Ellos son Bruno Ocampo, Esteban Philipps y Gonzalo del Águila. Felicitaciones a los cuatro (incluyendo a Paco, que demostró una interpretación limpia y bien analizada del personaje).

De la dirección debo decir, que para ser una joven de 19 años, logró cosas que no he visto en muchas obras de gente con cierta experiencia en el medio. Limpia, ordenada, justificada, pensada a beneficio de un público y utilizando el criterio debido como para respetar la estructura dramática. Sorprendido gratamente.

Los invito a ver la obra para que se sorprendan como yo, o quizá no lo hagan, en ese caso desearía leer comentarios al respecto por medio de este Blog.

(Debo aclarar que este artículo, una vez más, no pretende ser una crítica teatral, sino una apreciación de cómo el teatro afecta mi vida y como me hace sentir).

“Un Director” de José Enrique Mavila
Dirigida: Jimena del Sante
Del 5 al 28 de Marzo (es decir, esta semana que viene es la última)
Viernes a Domingo 8:00pm
Teatro Mocha Graña (Av. Saenz Peña 107, Barranco) Venta de entradas en la misma boletería del teatro.

“El Señor de las Moscas” La Reposición

Este Blog jamás pretendió ser de crítica teatral, por lo que este artículo tampoco lo será. Desde que se inició este Blog hace unos meses atrás, es la primera vez que escribo de una obra en la que no he participado yo como actor o como asistente de dirección (y no será tampoco la última vez, porque pienso implementar más de estos artículos al Blog). Esta es una humilde apreciación de una obra, de un elenco, de una producción, que ha crecido y que por lo tanto me llena de alegría. Un grupo de actores jóvenes llenos de energía y ganas, un director que sabe lo que hace y el apoyo de una coproducción como la de Plan 9, han logrado la Reposición de “El Señor de las Moscas”.

Tuve la oportunidad de ver la obra cuando se montó en año pasado en el Teatro Julieta. La sorpresa fue grata. Ver como un grupo joven asume un reto de tal magnitud y que lo desempeñen con éxito, hizo que me vinieran ganas de apoyarlos en lo que necesitaran para crecer. Ahora, montan la obra en el Teatro Mario Vargas Llosa. No sólo aumentaron las butacas y creció el escenario, también aumentó el público y crecieron ellos. Fui testigo de aquello el día del estreno, al cual fui cordialmente invitado por ellos.

Si partimos del hecho que “El Señor de las Moscas” de William Golding, es originalmente una novela, entendemos que existe el reto de adaptarlo al teatro para que pueda ser montado. Primer reto cumplido. Eduardo Camino fue el encargado de adaptar esta maravillosa novela en dramaturgia, claramente interpretable.

Hoy, con el programa de mano que adquirí el día del estreno, puedo leer en palabras del mismo director, Paco Solís Fúster, el proceso de crecimiento y el trabajo puesto en él. Es curioso notar que él, como muchos otros obreros de este medio, mencionan la carencia de espacios escénicos como uno de los mayores obstáculos para el crecimiento de nuevos grupos. Tema ya recurrente en este Blog al citar entrevistas y comentarios de gente del medio. Es posible entonces que lo tome como próximo artículo. También puedo notar en sus palabras, un énfasis en el agradecimiento a las personas que los apoyaron en el camino. Es ahí donde noto quizá, el secreto de su crecimiento, dado que la humildad y la gratitud son la base para un desarrollo.

Volteando las páginas del programa de mano, encuentro la foto de los doce actores del elenco. Todos de edades similares y ninguno que pase de los veinticuatro años como máximo (quizá el actor Giancarlo Chichizola si sea un poco mayor, pero justifica siendo él quien interpreta a los únicos dos adultos de la obra).

Debo reconocer en todo ellos, el trabajo puesto en escena. Saltan, bailan, gritan, se pelean, juegan y por si fuera poco, hacen también los cambios de escena. Mis respetos. Mantener esa energía durante dos horas de obra, sin intermedio y sin descuidar el importante trabajo actoral para poder interpretar a niños en una situación crítica, no es algo fácil de hacer. Pensar que comenzaron a ensayar en el parque de Miraflores para la puesta en el Teatro Julieta y ahora están el Teatro Vargas Llosa. Sin desmerecer a nuestro querido Teatro Julieta, es un gran crecimiento que nos da ejemplo de que si se puede hacer cosas buenas y de calidad en este país, creciendo de a pocos.

Dicho elenco está conformado por:
Oscar Meza
Raúl Saco
Sergio Maggiolo
Diego Alonso Ramos
Piero Fuentes
Cristián Tejeda
Renato Rueda
Gabriel Gonzáles
Bruno Espejo
Sebastián de los Heros
Martín Velásquez
y Giancarlo Chichizola

Les recomiendo que vayan a ver esta obra. Su profundo contenido acerca de la vida los hará reflexionar de la evolución del ser humano. Tomando en cuenta que la obra inicia con niños perdidos en una isla que solo quieren jugar (que bien podríamos interpretar como los inicios del hombre en este planeta) que luego son obligados a buscar en su lado más animal, los medios correctos de supervivencia. Quizá seamos eso. Niños que solo quieren jugar, pero nos vemos obligados a sobrevivir, y es ahí donde se transgrede todo.

De jueves a domingo 8:00 pm.
Del 13 de marzo al 11 de abril 2010.
Teatro Mario Vargas Llosa – BNP (Calle de la Poesía 160, San Borja).
Entradas a la venta en Teleticket y en la boletería del teatro.

Lo que siento cuando subo a un Escenario

Si bien es cierto que todos los artículos que he escrito en este Blog han sido escritos desde un punto de vista personal, éste en particular lo será aun más. Narraré como es que me he sentido y siento YO al subirme a un escenario para interpretar un personaje. Recalco la palabra “YO” dado que cada uno de nosotros somos seres distintos, con sensaciones diferentes, con temores y experiencias diversas que hacen que, subirse a un escenario para ustedes, sea quizá un mundo muy distinto al mío. Aun así, no quisiera que esta sea una narración egoístamente anecdótica e introspectiva, con el fin de plasmar todo lo que yo llevo dentro y exponerlo al mundo como si yo fuera el molde perfecto en el que se tienen que acomodar todas las experiencias por igual. Al contrario. Mi objetivo al escribir este artículo es llegar a ustedes a través de la identificación de una experiencia similar o la discrepancia de sensaciones. Lo que quiero es compartir y que ustedes también compartan sus comentarios y experiencias.

Para comenzar, debo confesar que no todas las veces que me he subido a un escenario las experiencias han sido las mismas. Si tuviera que marcar la diferencia entre una y la otra, creo que se debería a la obra que estoy haciendo y la confianza que le tengo a dicha puesta. Recuerdo que, cuando recién empezaba a actuar (en la época en la que hacía musicales y no había estudiado actuación), hubieron oportunidades en las que, una vez cambiado y maquillado, mientras daban sala para que el público entrara, no sentía nervios ni emoción. Lo cual me preocupaba mucho. Que terrible es hacer algo y no sentir esa dosis necesaria de temor porque todo salga bien. Dosis que a su vez impulsa y da energía. Entonces me pregunté ¿Por qué? Tiempo después me di cuenta que era cuestión de la confianza de lo que estaba entregando a un público. No solo desde un plano personal, sino también como grupo. Lo cual no era una cuestión de poco trabajo invertido. Creo que yo era demasiado conciente que el resultado de tanto trabajo, no llenaba mis propias expectativas, por lo que dudaba que llenaran las del público, que en ese entonces eran cuatro gatos y todos amigos nuestros.

Una vez que estudié actuación y las puestas se hacían cada vez más profesionales, con más público diverso que no eran solo nuestros amigos y familiares y rodeado de actores cada vez más competentes, recobré por completo la emoción previa a salir a escena. Sentía que las doscientas cincuenta personas sentadas en sus respectivas butacas, esperaban algo bueno y no iban solo por compromiso. Lo cual siempre ha sido sinónimo de reto para mí. Además, una vez que estudias una técnica de actuación, sabes que “actuar” involucra vivir plenamente la circunstancia del personaje y desde su punto de vista, sin embargo, las emociones que brotan, son tuyas. Por lo tanto, debes estar preparado para “desnudarte” emocionalmente ante un público crítico y expectante. Es ahí donde se generan estos nervios ricos en el actor.

Lo más interesante ocurre una vez que cruzas el límite entre cajas y el escenario. Todo temor, todo juicio y duda desaparecen a favor de una vivencia plena del personaje. Te olvidas que estas siendo observado por personas ajenas a la historia. Empiezas a vivir la vida del otro. Muchos dicen que para ellos el público desaparece. Puedo creer que te olvides del público durante gran parte de la obra, sin embargo eres conciente que están presentes. El público juega una parte importante al momento de actuar. Sus risas, llantos, exclamaciones de sorpresa, cuchicheos y comentarios te dan energía. Es por eso que es imposible no saber que existen, sin embargo su participación es externa al trabajo del actor.

Caminar en un escenario mientras se está actuando es casi como caminar en el espacio. Siento que cada paso mide una gran distancia. Siento que el tiempo no es real. Se convierte en un concepto en donde sólo sobre el escenario, es errado. Los minutos están llenos de vida que los hacen parecer segundos u horas, dependiendo de lo que estas viviendo. Siento una rara libertad. Y digo rara porque dentro de las marcaciones necesarias de la obra y el texto del autor que se debe respetar, siento que puedo volar y entregarme al cien por ciento, sin temor. Al contario. Entre mayor entrega mejor saldrá la escena. Jamás escucharán un critico de teatro decir: “Ese actor hizo mal, demasiada entrega”, o a un director decir “En este momento, no te entregues tanto por favor”. Soy libre, fuerte y a pesar de la edad que tenga en la vida real, siento sobre mis hombros la mochila pesada de los años del personaje. Los sonidos, las texturas, los colores y los aromas se hacen muy intensos. Soy sensible a todo lo que me rodea, a tal punto en que me fusiono con todo. Soy parte de todo. Al tener mi concentración puesta en todo lo queme rodea, todo me afecta, en mayor o menor nivel, emocionalmente. En fin, es una experiencia metafísica.

Desearía que me cuenten sus experiencias. Sean similares o completamente distintas a la mía. Es bueno que siendo nosotros actores, representando un porcentaje mínimo de la población mundial que ha tenido el privilegio de subirse a un escenario, compartamos experiencias. Para los que jamás se has subido a un escenario y desean vivir esa experiencia, también quisiera saber de ustedes.

¿Sabías que...?

Datos curiosos y Supersticiones del Teatro y la Actuación que quizá Ud. no sabía.

Datos Curiosos: Los Orígenes.

Antes que nada, decir que la palabra “Teatro” proviene del griego: “Tetaron”. La palabra actual deriva también del latín: “Theatrum”.

Significado de “Teatro” según La Real Academia:

“Género literario al que pertenecen las obras dramáticas compuestas para ser
representadas en un escenario.”

El teatro esta representado por dos máscaras. Una que sonríe y otra que llora. Representando así la Comedia y el Drama o Tragedia respectivamente. Símbolos de origen griego. Cada una con su respectiva Musa:

TALIA
Es la musa de la comedia. Una diosa de las fiestas dionisias, presidía los banquetes animados por la música, el canto y la alegría. Lleva por atributos corona de hiedra y en una mano, una máscara sonriente.

MELPOMENE
Es la musa de la tragedia. Se la representa como una matrona majestuosa, en una de sus manos sostiene un cetro y una corona, en la otra, un puñal. Se halla rodeada de fortalezas, armas y laureles y a su arrogancia se une la tristeza de la soledad.
Un mito cuenta que Melpomene tenía todas las riquezas que podía tener una mujer, tales como la belleza, el dinero, los hombres, etc. Solo que teniendo todo esto, no podía ser feliz, y eso es lo que lleva al verdadero drama de la vida, tener todo no es suficiente para ser feliz.

Esquilo, dramaturgo griego, murió golpeado por una tortuga que se desprendió de las garras de un águila que sobrevolaba su cabeza. La calvicie de Esquilo, fue confundida por el águila como una roca en la que podría destrozar el caparazón de la tortuga para poder así comerla.


Durante la época del Teatro Elisabetiano, el teatro se convirtió en un vicio para la gente de la época, pero no sólo tenían este capricho, también les encantaba el tabaco. Fumaban constantemente durante el transcurso de las obras y convertían la atmósfera teatral en una permanente atmósfera ahumada. Las actuaciones tenían lugar durante la primera parte de la tarde, ese horario era el ideal porque todavía no había anochecido y se podía aprovechar la luz del día.

Miguel de Cervantes Saavedra y William Shakespeare, que son considerados los más grandes exponentes de la literatura hispana e inglesa respectivamente, murieron ambos el 23 de abril de 1616. Jamás se conocieron.

Según varios eruditos, las dos últimas obras de Shakespeare, “Enrique VIII” y “Dos parientes nobles”, fueron escritas en colaboración con John Fletcher, otro dramaturgo inglés de aquel tiempo. En una conversación que tuve con la gran actriz Rosa Wunder, antes de una función de “Los árboles mueren de pie”, en el Teatro Mocha Graña, ella sostenía una teoría en la cual dudaba que un solo hombre pudiera haber escrito tantas obras tan maravillosas y tan perfectas. Según ella, William Shakespeare, no escribió todas las obras que nosotros le atribuimos. En el curso que llevé en el Conservatorio de Formación Actoral de Estilos II: Shakespeare (Dictado por Leonardo Torres Vilar), una teoría similar se lanzó por ahí. Hay gente que cree que “S.H.A.K.E.S.P.E.A.R.E.” es un nombre compuesto de las siglas de todos los dramaturgos que escribieron las obras de aquella época Isabelina, y que quisieron mantener su anonimato. Aunque la existencia de William Shakespeare ya fue confirmada, es curioso ver como tanta majestuosidad hace que la gente dude de su existencia.


Alfred Jarry, un precursor del “Absurdo” en el teatro y en la literatura, tenía apenas quince años de edad cuando escribió y escenificó ¨Ubu Rey¨. Un verdadero genio.

Datos Curiosos: Los Personajes.

Se sabe que Charles Chaplin, el famoso actor, director, escritor y productor de cine; una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin. Sin embargo, perdió. No alcanzó ni las finales, increíblemente el resultado fue desastroso, no pasó de la primera ronda y los jueces le dieron una de las peores calificaciones de su tanda. En una entrevista realizada para el Chicago Herald el 15 de Julio de 1915 Chaplin relata la historia con gran ironía y comentó que fue “tentando a darles lecciones de la “caminata de Chaplin”, por pena y también deseando ver la cosa hecha correctamente”.

Sandra Bullock, antes de impedir que un autobús explotara si disminuía de 50 millas por hora en la película “Speed”, aceptó salir “topless” en la cinta “Fire on the Amazon” (Fuego en el Amazonas). Que dicho sea de paso, fue dirigido por el peruano Lucho Llosa. En donde actuaron muchos actores y actrices nacionales tales como Natalia Torres Vilar, Baldomero Cáceres, Carlos Victoria, Reynaldo Arenas, Ramón García, Gilberto Torres +, entre otros. Quizá uds. ya sabían este dato, pero a me sorprendió al enterarme.


¿Y que hay de las Supersticiones que se mantienen hasta nuestro tiempos?

Es superstición entre los actores, sobre todo en el teatro, no salir a escena con ropa amarilla, ya que puede conducir al fracaso o a cosas aún peores. La razón de este miedo escénico reside en el dramaturgo y actor francés Jean-Baptiste Poquelin (1622-1673), llamado Moliére. En febrero de 1673, Moliére estrenó el ballet-comedia “El enfermo imaginario”, que toma por blanco de su sátira a los médicos. Pocos días después del estreno, en plena representación, el dramaturgo se sintió indispuesto, y murió unas horas más tarde en su domicilio. En la representación, Moliére vestía ropas de color amarillo.

Hay obras consideradas “malditas”. Muy especialmente “Macbeth”. Que no sólo es un desafío interpretarla: con sólo nombrarla en las inmediaciones de un teatro alcanza para invocar a mala fortuna. Se dice que ya en su primera representación, Shakespeare tuvo que hacer el papel principal femenino porque el muchacho elegido para ese rol se enfermó súbitamente y murió. La historia enumera teatros incendiados, actores pasados a mejor vida en medio del escenario y todo tipo de calamidades alrededor de Macbeth. Algunas comprobadas, otras no tanto. Dicen que el mito sobrenatural está relacionado con una canción que forma parte de la obra, en la cual unas brujas, en la ficción, invocan a espíritus malignos. Pero alejándonos del plano místico, hay una razón por demás profana para el miedo de los actores a “la obra escocesa”. En épocas contemporáneas a su autor, las compañías que hacia el final de la temporada no hubiesen tenido éxito en la taquilla, debían recuperarse “de apuros” interpretando una obra popular que en la mayoría de los casos era, justamente, Macbeth. Por lo tanto, esta obra era vista por la compañía como “la última oportunidad”: si fallaban, serían despedidos.

¿Saben más Datos Curiosos o Supersticiones? Estoy ansioso de leerlos.