Mi Vida en el Arte... El Arte de mi Vida

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2011, por Jessica A. Kaahwa

2011-03-08T12:03:00.005-05:00

Como ya es costumbre, este 26 de Marzo se celebra Mundialmente el DÍA DEL TEATRO! Y como también es costumbrado en esta fecha, una personalidad internacionalmente representativa del teatro, escribe un mensaje que será leído ese mismo día en todos los teatros del mundo antes de iniciar una función. Este año el mensaje internacional por el día mundial del Teatro recae en Jessica A. Kaahwa.

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2011

La reunión de hoy es un reflejo fiel del inmenso potencial que tiene el teatro para movilizar comunidades y sortear las diferencias.

¿Han imaginado alguna vez que el teatro podría ser una potente herramienta para la paz y la reconciliación? Mientras las naciones consumen sumas colosales de dinero en misiones para la paz en áreas del mundo en violento conflicto, se le presta poca atención al teatro como alternativa individualizada para la transformación y el manejo de conflictos. ¿Cómo pueden los ciudadanos de la madre Tierra lograr paz universal cuando los instrumentos que se emplean para ello vienen de poderes externos y aparentemente represores?

El teatro permea sutilmente el alma humana atenazada por el miedo y la sospecha, alterando la imagen que tienen de ellos mismos y abriendo un mundo de alternativas para el individuo y por consiguiente para la comunidad. Puede dar significado a realidades diarias mientras previene un futuro incierto. Puede tomar parte de la política en formas simples, directas. Al ser inclusivo, el teatro puede presentar experiencias capaces de trascender preconceptos erróneos.

Además, el teatro es un medio probado para abogar e introducir ideas que sostenemos colectivamente, y por las que deseamos luchar cuando son violadas.

Anticipando un futuro pacífico, debemos comenzar por usar medios pacíficos que busquen entender, respetar y reconocer las contribuciones de cada ser humano en el proceso de conducir a la paz. El teatro es ese lenguaje universal por el que podemos enviar mensajes de paz y reconciliación.

Involucrando activamente a los participantes, el teatro puede hacer que muchas almas deconstruyan preconceptos y, de esta manera, da al individuo la oportunidad de renacer para hacer elecciones basadas en conocimientos y realidades redescubiertas. Para que el teatro prospere entre otras formas del arte, debemos dar un enérgico paso adelante para incorporarlo a la vida cotidiana, tratando temas apremiantes de conflicto y paz.

Buscando la transformación social y la reforma de comunidades, el teatro ya existe en áreas devastadas por la guerra y entre pueblos que sufren pobreza o enfermedad crónica. Hay un número creciente de historias de éxito donde el teatro ha logrado movilizar audiencias para construir conciencia y ayudar a víctimas de traumas de post-guerra. Plataformas culturales como el Instituto Internacional del Teatro, que apunta a "consolidar la paz y la amistad entre las gentes" ya tienen existencia.

Es entonces una farsa mantenerse en silencio en tiempos como los nuestros, conociendo el poder del teatro, y dejar que portadores de armas y disparadores de bombas sean los guardianes de la paz de nuestro mundo. ¿Cómo pueden herramientas de alienación ser también instrumentos de paz y reconciliación?

Los conmino en este Día Mundial del Teatro a pensar en esta perspectiva y a adelantar el teatro como una herramienta universal para el diálogo, la transformación social y la reforma. Mientras las Naciones Unidas gasta sumas colosales en misiones de paz en todo el mundo con el uso de armas, el teatro es una alternativa espontánea, humana, menos costosa y mucho más poderosa.

Puede que no sea la única respuesta para traer paz, pero el teatro debe seguramente ser incorporado como una herramienta efectiva en misiones de paz.

- Jessica A. Kaahwa -

Traducción: Diana Melamet

Jessica Kaahwa posee una larga y variada carrera en la investigación y el diseño de la metodología de comunicación participativa para el desarrollo. En la actualidad dicta clases en los departamentos de Teatro y Literatura en la Universidad de Makerere, que es donde también recibió su maestría. Obtuvo su licenciatura en la Universidad de Benin, Nigeria, donde también trabajó como locutora en el Servicio Exterior - Radio de Nigeria.

La Dra. Kaahwa realizó estudios sobre Historia del Teatro, Teoría y Crítica en la Universidad de Maryland, donde recibió su doctorado en el año 2001. También ha sido la impulsora de una serie de iniciativas nacionales que han tratado de utilizar el teatro y los medios de comunicación como una fuerza constructiva en la configuración de los conflictos y para en la mejora de la salud. Ella ha continuado experimentando con las teorías para ampliar el discurso sobre la práctica teatral. Un buen ejemplo es su reciente experimentación con "Teatro de significado personal" y "Teatro de Conflictos de comunicación." En la actualidad trabaja en la integración de teatro en las prácticas terapéuticas.

Se abre Taller de Formación Actoral de Raúl Sánchez

2011-02-09T16:39:00.004-05:00

Este año, luego de despejar mi mente en Cusco, lo inicié con ganas de HACER, de expandirme como artista, de CRECER.

Tomé el Teatro Mocha Graña como sede de lo que sería mi 1er taller de verano, ya como institución independiente. En la actualidad ese taller está funcionando y muy bien.

Así que tomé la decisión de reabrir el Taller de Formación Actoral y esta vez con una duración de 8 meses (de abril a noviembre) y con más días a la semana.

Este es el evento en Facebook en donde deben inscribirse los interesados haciendo click en “ASISTIRÉ”. (Es muy importante que SOLO LOS INTERESADOS hagan click en “ASISTIRÉ").

http://www.facebook.com/event.php?eid=180788165293770&ref=ts

Ahí encontrarán toda la información detallada del taller (Syllabus, horarios de clase, días a la semana, el costo del taller mensual y datos de contacto para cualquier consulta). Además de mi Página Oficial de Facebook para que la gente que no sabe quién soy, se entere un poco por donde va mi trabajo y formación. Adjunto también el link aquí (Deben darle click en “Me Gusta” para tener acceso a la página:

http://www.facebook.com/pages/Raul-Sanchez/124992847567396?ref=ts

El día sábado 2 de abril a las 11am en el Teatro Mocha Graña, habrá una ENTREVISTA PERSONAL PREVIA a la inscripción del taller con todos los interesados en formar parte de ella. NO ES UNA AUDICIÓN, es solo un diálogo para conocerlos y saber de ustedes.

Las clases inician el martes 5 de abril y serían todos los martes y jueves de 4 a 6pm en el Teatro Mocha Graña que queda en Barranco. El costo del taller es de 250 nuevos soles mensuales y al finalizar los 8 meses de taller, habrá una puesta en escena dirigida por mi.

Apúrense en confirmar el evento SI ES QUE REALMENTE ESTÁN INTERESADOS, ya que el cupo es limitado.

Ojalá pueda darles la bienvenida a lectores de mi Blog al taller. Sería genial.

Éxitos!!

Raúl

Taller de Performace de Guillermo Castrillón

2011-02-02T16:58:00.006-05:00

Uno nunca termina de nutrirse y aprender. Pasé año nuevo en Cusco. Una experiencia realmente enriquecedora. Me sirvió para renovarme. Para despejar mi mente y tomar nuevas decisiones. Ahí me tomé un café con una querida amiga y colega llamada Cinthya Perez. Fue una conversación muy interesante y divertida. Entre las tantas cosas que se dijeron, ella me contaba su experiencia en un taller que llevó. Me hablaba tan bien de este taller, como algo tan enriquecedor y terapéutico, que me empezó a llamar la atención. Se trataba del Taller de Performance de Guillermo Castrillón.

Yo había visto anteriormente una puesta en escena dirigida por Guillermo llamada “Las mujeres que habitan en mí”. Además, colegas y amigos míos han participado en otra de sus puestas en escena llamada “La Sombra”. Me agradaba mucho lo que veía y los comentarios que me hacían de sus puestas. Me gustaba el riesgo en ellas (tanto de montaje escénico, como de exposición de los actores/bailarines). Me pareció que podría ser un buen reto para mí, el no interpretar un personaje, asumiendo sus puntos de vista de la vida y vivirlas en escena, más bien interpretarme a “mi mismo”, hacer un montaje propio a partir de mis “demonios internos” y dando un mensaje que yo como persona quisiera dar. Así que, como estoy en una etapa de mi vida en la que hago que predomine el impulso y la intuición más que la razón, me inscribí sin pensarlo dos veces.

Hasta la fecha, voy en la tercera semana de clases. Debo confesar, que me agrada mucho lo que descubro cada clase. Me parece genial un taller en donde te den las herramientas necesarias para desenvolver te en base a tus impulsos e ideas y los transformes en arte. Si tuviera que definir el arte del Performance, tendría que citar al mismo Guillermo cuando dijo que el Performance es una “Transformación en Vivo”.

Además, se basa al igual que en la Técnica de Actuación de Sanford Meisner, en “sentir al otro”, estar conectados, en conocernos de verdad, escucharnos de verdad, sinceridad ante todo, abajo las murallas y defensas, llegar al núcleo de lo que somos como personas y sin juzgarnos, al contario, aprendiendo a amar eso que somos y trabajarlo para hacer arte.

Estoy conociendo un grupo humano realmente genial y receptivo. Ya les estaré contando más al respecto, pues es un tema nuevo para mí y me gustaría sumergirme más en él para darles a todos ustedes una idea más clara de la experiencia.

¿Si me preguntan si lo recomiendo?

SI, ALTAMENTE RECOMENDABLE.

Raúl Sánchez.

Terminó la Batalla. ¡HA ESTALLADO LA PAZ!

2011-02-01T13:30:00.005-05:00

Ayer (31 de enero) terminó la temporada de “Madre Coraje”. Luego de 3 intensos meses de ensayos y de 79 funciones, las bombas dejaron de sonar en esta obra anti bélica. Ahora vemos el Jeep partir.

“Nadie me quita lo bailado” es una frase que cabría muy bien al describir lo que siento. La intensidad de la obra escrita por Bertolt Brecht, la dirección tan prolija de Alberto Ísola, la amabilidad y buen trabajo de la producción del Teatro Británico, el talento incalculable de mis colegas actores y actrices, las anécdotas chistosas (y las no tan chistosas). Nadie me lo quita. El reto de interpretar un personaje tan intenso, tan cambiante, tan fuerte… nadie me lo quita. El “orgasmo espiritual” que es terminar una obra y descubrir que el teatro estaba reventando de gente que te agradece tu trabajo de pie, aplaudiendo como si les hubieras salvado la vida, obligándote a salir 2…3… y hasta 4 veces a saludar ya que sus aplausos no se detienen. Nadie me lo quita. Juntar manos, darnos buenos deseos y energías y gritar al unísono “¡MIERDA!”. Nadie me lo quita. Lo aprendido en boca de maestros. Lo aprendido a punta de errores. Nadie me lo quita. El saludo sincero de un público agradecido afuera del teatro. Nadie me lo quita. Vivir lo que viví. NADIE ME LO QUITA.

El Jeep cargado de mercancías de la guerra se va. Pero sus huellas son profundas.

¿Qué cómo me siento? Alucinado y agradecido.

Pronto en las tablas otra vez.

Raúl Sánchez

Mi participación en "Calve 1: Médicos en alerta" Tercera Temporada

2011-01-26T11:40:00.006-05:00

Hola a todos.

Encontré el capítulo 27 entero de "Clave 1: Médicos en alerta" (Tercera Temporada), en donde participo interpretando a un hijo joven de una familia italiana. Su madre (la actriz Marcela Urizar) entra en un como etílico (ocasionado por un exceso consumo de alcohol). Junto con mi hermano (el actor Braulio Chappel) tratamos de convencer a la doctora (la actriz Constanza Chaparro) de que la desconecte y la deje morir. Todo por una herencia.

Fue una experiencia divertida de tres días de grabación. La producción siempre fue muy amable y muy atenta.

Les dejo el video de todo el capítulo para que puedan verlo.

Comenten y pregunten. Que yo respondo.

Un abrazo

Raúl Sánchez

Haz Click en "Me Gusta"

2011-01-26T00:29:00.007-05:00

Hola a todos.

Si lo sé. Hace mucho tiempo que no escribo. La razón es el tiempo. Hay deberes actorales que debo atender. Pero PROMETO, que a partir de febrero retomaré el Blog con fuerza. Así que prepárense, porque se vienen buenos artículos.

Mientras tanto, les dejo el link de mi Página Oficial en Facebook, en donde podrán ver fotos, videos y noticias de mi carrera como actor y director. Además publicaré ahí también los artículos que escribiré en el Blog!

Solo deben entrar y darle click en "Me Gusta". Dejen comentarios y preguntas si lo desean. Todas serán respondidas.

http://www.facebook.com/pages/Raul-Sanchez/124992847567396?ref=ts

También podrán comunicarse conmigo a tiempo real por mi Twitter:

http://twitter.com/RaulSanchez_

Espero saber más de ustedes también. Dejen comentarios y preguntas en este Blog o en la Página Oficial de Facebook y les PROMETO que todas serán leídas y respondidas.

Les adelanto que estoy por terminar la temporada de "Madre Coraje" en el Teatro Británico (ésta es la última semana). Además, estoy dictando un Taller de Actuación en el Teatro Mocha Graña. Ya les contaré un poco de eso.

UN ABRAZO.

RAÚL SÁNCHEZ.

Dirigir por primera vez

2010-11-06T02:51:00.005-04:00

En mi vida, si hay algo que no puedo decir, es que no se me dieron oportunidades. Sobre todo este año. Si no he escrito mucho en el Blog, ha sido básicamente por lo ocupado que he estado, tanto actuando en “MADRE CORAJE” (si no la han visto, no sé que esperan) y dirigiendo por primera vez en mi vida. Dirigir una obra. Dirigir a un elenco. Ver cosas de montaje. Vaya, una gran experiencia.

Leonardo no pudo dirigir este año el montaje final de la Universidad de Lima como siempre acostumbra hacer (recordemos que el año pasado hizo una excelente labor con “Explota” en la que yo asistía en dirección). Este año, me concedió el honor de dirigir el montaje final. Me propuso dirigir “Stags and Hens” de Willy Russell (obra en la que yo había actuado cuando estudiaba con él), pero por más genial que me pareciera la obra, no sentía las ganas de dirigirla, no sé, creo que porque no es una historia que en este momento de mi vida me gustaría contar. En cambio, cuando Leonardo me mencionó los nombres de la gente que conformaba el elenco, supe inmediatamente que obra quería dirigir. “BANG BANG ESTÁS MUERTO” de William Mastrosimone.

Existe una película con ese nombre (o también conocida como “Escuela de Asesinos”) que cuenta la historia de la cual se basó Mastrosimone para escribir la obra de teatro. De hecho, los últimos diez minutos de la película, son la representación de la obra de teatro. Fueron estos diez minutos de película las que conmovieron a mi hermana Tanna. Un día me dijo “si quieres hacer una obra de teatro, debes hacer esta”. Quién diría que años más tarde la dirigiría gracias a su intervención.

El proceso fue nuevo para mí. No solo porque estaba dirigiendo una obra por primera vez, sino que el texto al que me enfrentaba era de una dinámica distinta a la que estaba acostumbrado. Al leerla, fue evidente que no era una obra de personajes, ni de texto, era una obra de historia profunda y sobre todo de MONTAJE. Uno podía notar al leer el texto, que para dirigirla es necesario tomarse un buen tiempo en las cuestiones de marcación, necesarias para poder contar la historia. Felizmente, en paralelo yo estaba siendo dirigido por un excelente director como lo es Alberto Isola, en una obra tan de montaje como lo es “Madre Coraje y sus hijos”. Así que tomé mucho de ese tipo de dirección y lo aplique en “Bang Bang Estás Muerto”. “A esto le agregamos el énfasis a las actuaciones que Leonardo me enseño al dirigir, y se obtendrá un buen producto” me dije.

Tenía tantas cosas a mi favor, comenzando por un texto fabuloso, con un tema que a mí me conmovía profundamente porque habla de uno de mis más grandes temores; la muerte. Tenía un espacio muy cómodo para ensayar y la producción impecable de la Universidad de Lima y de Vivian Mendoza. Además, tenía algo que fue muy importante en el proceso, un elenco entusiasta y talentoso. ¿Qué más podía pedir? A si, un pasamanos rojo. Así como lo leen, un pasamanos rojo, que William Mastrosimone no pide en su obra, pero a mi me pareció esencial para el montaje. Sentí que le daba dimensión, niveles y atmósfera a la obra. Creo no haberme equivocado.

El proceso fue genial. Full marcación por mes y medio aproximadamente. Interesante que en un proceso de marcación del espacio, el elenco se las ingeniaba para no quedarse atrás en lo actoral. Luego que toda la obra, bloque por bloque, estuviera dibujada, iniciamos todo lo actoral.

¿Que cómo nos fue en temporada? GENIAL. Llenamos teatro los tres días. Recibimos muy buenas críticas (y no de las de compromiso, sino de las sinceras y sombre todo de las informadas, es decir, las que valen). El público reaccionó de una forma muy impredecible. Lloraban y reían (quizá no siempre en los momentos en los que imaginábamos “correctos”, pero lo importante no es en qué momento se ríen o lloran, sino el hecho de que mantuvimos al público atentos y enganchados a la historia).

Lo maravilloso es ver tus ideas plasmadas en el montaje, las propuestas del elenco, el juego de luces, la música, todo en armonía para que la historia sea contada como debe ser.

Lo gracioso es, que ahora me veo en el futuro dirigiendo a la par de la actuación, lo que hace que mi campo laboral ahora sea más amplio y disfrutable.

Este es un pequeño video de lo que fue la obra en temporada. La canción se llama “Praan” y es la canción que utilizamos para el momento del saludo y los aplausos del público, y es una oda a la vida. De eso quería que hablara esta obra. No de muerte, sino lo que se pierde uno al morir. Valorar la vida. Como bien dice el afiche: “Fueron forzados a ver la Vida, desde la Muerte”.

A un día del estreno...

2010-10-06T03:13:00.005-04:00

Ayer fue la conferencia de prensa.
El Comercio (a solo horas después) saca esta nota:
http://elcomercio.pe/noticia/649747/madre-coraje-sus-hijos-se-estrenara-este-jueves-teatro-britanico

Estoy feliz y no lo oculto.
Estaré escribiendo pronto.
Raúl

"Madre Coraje y sus Hijos" - En Pre Venta!!!

2010-09-22T15:17:00.004-04:00

"Madre Coraje y sus Hijos"
De Bertolt Brecht
Dirigido por Alberto Isola
Actuan:
Teresa Ralli
Bruno Odar
Alfonso Santistevan
Alejandra Guerra
Jonathan Day
Daniel Neuman
Lisette Gutiérrez
Mario Velásquez
Carlos Victoria
Ana Rosa Liendo
y Raúl Sánchez. (Quien les escribe)

Pre-venta en Teleticket de Wong y Metro hasta el 1ero de Octubre.
Estreno: 07 de octubre. De jueves a lunes a las 8:00 p.m.
Lugar: Teatro Británico (Jr. Bellavista 527/Malecón Balta 740, Miraflores)

PRECIOS DE PRE VENTA (Hasta el 1 de octubre)
General s/. 35
Estudiante s/. 15
Jubilados s/. 20

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PRECIOS DE TEMPORADA
Entrada general: S/. 50.00. Jubilados: S/. 30.00. Estudiantes: S/. 25.00
Lunes populares: General S/.35.00. Jubilados S/. 20.00. Estudiantes S/. 15.00
Informes: 615- 3610

¿Cuándo fue la última vez que fuiste al Teatro y qué obra fuiste a ver?

2010-09-21T01:38:00.001-04:00

Volví a ver la Reina de Belleza de Leenane y me gustó mucho. Pero la última obra que vi ha sido "Cuadros de amor y humor al fresco" en el Mocha Graña. ALTAMENTE RECOMENDABLE!!!

Ask me anything

Mil Disculpas...

2010-09-19T17:27:00.002-04:00

Hola Estimados lectores:
Debo pedir mil disculpas por abandonar el Blog durante todo este tiempo.
La razón es básciamente el tiempo, dado que estoy ensayando 2 obras de teatro que se estrenan ahora en octubre. Una en la que participaré como Actor y otra en la que participo, por primera vez en mi vida, como Director. Además estoy enseñando actuación en la Universidad de Lima y eso me tiene muy ocupado. Pero ya en estos días, prometo ponerlos al día en toda esta gran experiencia que ha sido ensayar estas dos obras. También revelaré de que obras se tratan y donde pueden ir a verlas.
Un abrazo
Arriba el Teatro!!
Raúl Sánchez

El Actor es Valiente

2010-06-19T18:37:00.003-04:00

Ser Actor requiere de Mucha Valentía.
Primero, entender que en la Vida recibimos constantemente un Bombardeo de Estímulos Emocionales
(que día a día obviamos y creemos cotidianos), así que hay que entrenarnos para percibirlos.
Luego, dejar de Defendernos y Recibir de la forma más Masoquista posible todos esos estímulos.
Por si fuera poco, dejar que estos estímulos nos Afecten y Entregarnos a ellos.
Ser Actor requiere de Mucha Valentía.
Raúl Sánchez

Teatro: Profesión para Tercos

2010-05-09T19:43:00.011-04:00

Recuerdo que hace un tiempo, le dije a un compañero con el que recién me iniciaba en el mundo de la actuación, en aquellas épocas en las que hacía musicales en el Teatro Julieta: “¿Te haz dado cuenta, que si PERSEVERAMOS, seremos los próximos grandes actores de este país?¿Si no somos nosotros, entonces quién?”

Hace poco, mi colega actor y Blogger, Alonso Chiri, publicó en su Blog una entrevista a David Carrillo (actor, director y productor), en la cual David, entre otras cosas muy interesantes, dijo algo que me gustó mucho: “El Teatro es para Tercos”.

Si bien es cierto que el teatro en nuestro país está creciendo a nivel de producciones, asistencia de público y propuestas variadas, nuestro teatro aún está en pañales. El campo laboral es aún reducido y el actor debe luchar mucho para que la remuneración sea razonable como para vivir. Lograr vivir de la actuación es POSIBLE, sin embargo no todos lo logran.

¿Quienes lo logran? ¿Quienes son aquellos en los que hoy en día son considerados exitosos en este medio? Los Tercos que Perseveran.

Creo que alguien que quiere hacer teatro, estudiar actuación o aspira a ser director de obras, debe empezar por preguntarse: ¿Por qué quiero hacerlo? Si la respuesta es: “Quiero ser Famoso” o “Quiero ganar Dinero”, entonces, cariñosamente les aconsejaría, que buscaran otra profesión. Para mí, el Dinero NO puede ser un Objetivo al momento de ejercer una profesión. Es una Consecuencia. El dinero y las oportunidades laborales llegan si es que uno hace las cosas bien, con pasión. Por lo tanto, iniciar una carrera pensando en el dinero que pueden conseguir, solo les traerá elegir una carrera que quizá no les guste y que por lo tanto no la harán bien, ergo, el dinero y el éxito difícilmente llegarán.

En cambio, si la respuesta a esa pregunta es: “Por que me Apasiona” o “No me veo haciendo otra cosa en mi vida”, entonces, esa Pasión será tu gasolina para Perseverar y te dará la Terquedad suficiente como para dar la contra y decir en voz alta y con seguridad: “Si se puede”, “Yo lo haré”.

Tengan esta imagen siempre en su cabeza. Muchos inician, algunos continúan y pocos llegan. Ser uno de esos pocos solo lo determinará la entrega y la perseverancia. Los que no lo son, se han eliminado solos de la carrera.

Seamos entonces….UNOS TERCOS.

“La Noche Árabe” de Roland Schimmelpfennig

2010-04-30T16:44:00.013-04:00

Ayer hice efectiva una entrada doble que gané en un concurso de Twitter para ver “La Noche Árabe”. Obra que ya fue puesta en escena anteriormente por el grupo Ópalo y que ahora se presenta en el ICPNA de Miraflores.

Bajo la dirección de Jorge Villanueva, esta obra escrita por el dramaturgo alemán Roland Schimmelpfennig, nos cuenta como un pequeño detalle, unos cuantos sueños y los recuerdos, cambian por completo un día que aspiraba desde un principio, ser cotidiano. Una mujer semidesnuda, un sofá, tres hombres, una amiga fiel y el sonido incesante del agua en las paredes, acompañan constantemente al público y lo obligan a estar pendientes de todo detalle y dirigir su mirada de un lado a otro del escenario. Una obra realmente dinámica.

Hay cuatro factores que a mí como espectador, fueron los que más me gustaron. Como base, la dramaturgia. Escrita de una manera en que los personajes van narrando las cosas que van sintiendo y viendo a medida que van ocurriendo. Esto logra que uno como espectador se sienta, no solo veedor de la vida de estos personajes, sino que también puedan adoptar e identificar paso a paso el mundo interior de los personajes. La escenografía, una obra de arte en base a escaleras de manera y tablones, que al ser tan bien narrada la historia, uno realmente llega a asumir que está observando los interiores de un edificio. Las actuaciones, precisas. No es nada fácil llevar a cabo una obra donde todos los personajes están siempre en escena, desplazándose de un lado a otro, asumiendo diversos espacios, y hasta dimensiones oníricas, manteniendo el ritmo, veracidad, y separando el texto hablado en dialogo al texto que narra el mundo interno de cada uno. Realmente es un gran mérito para los actores. Y por su puesto la dirección. Una obra tan compleja sería imposible de entender con claridad de no ser por el buen trabajo del director. En esta oportunidad, entendí todo y lo disfruté.

Realmente así da gusto ir al teatro. Con una cartelera diversa en estilos y propuestas. Jamás había visto una obra escrita y dirigida de esta manera, ahora puedo decir que me gusta. Es bueno tener grupos de teatro que llevan a un extremo sus propuestas manteniendo la limpieza, claridad y verdad. De no ser así, sería una anarquía y una falta de respeto al público.

Actúan: Elsa Olivero, Kareen Spano, Diego Lombardi, Marcello Rivera y Juan Carlos Morón.

Vayan, la verdad se los recomiendo. Luego me comentan si están o no de acuerdo conmigo. Les recuerdo que mi Blog jamás pretende ser de críticas teatrales, pero si de mis propias experiencias y apreciaciones acerca de este arte tan bello y apasionante. Y a mi esta obra, me gustó.

Funciones Del 22 de abril al 9 de mayo del 2010
Lugar Auditorio ICPNA Miraflores (Av Angamos Oeste 160 MIraflores)

Venta Módulos de Teleticket de Wong y Metro

Precios General s/.30.00 Estudiantes s/.20.00

Sigan al Grupo Ópalo en Twitter y Facebook y quien sabe, se ganan entradas también.
http://twitter.com/Opaloteatro
http://www.facebook.com/?ref=home#!/pages/Opalo/109721035728237?ref=ts

VI Campeonato Profesional de Impro Sport

2010-04-25T13:42:00.013-04:00

La Improvisación Teatral como espectáculo nace en Canadá. Considerado el único deporte teatral, ya que cuenta con un reglamento oficial, réferis/jueces y equipos luchando por ganar. En nuestro país, Ketó Impro es una de las escuelas que han asumido el reto de difundir y enseñar el arte de la Improvisación. Teniendo ya años de experiencia en el campo y logrando formar grandes improvisadores, nos brindan cada temporada, espectáculos de calidad.

En esta oportunidad, inician el VI Campeonato Profesional de Impro Sport. Nueve equipos, conformados por tres o cuatro improvisadores, compiten entre si por formar la mejor historia, improvisada en el momento, de un mismo título. El resultado es hilarante. Las risas son inevitables en el público al ver como estos improvisadores se esfuerzan por mantener una historia viva, con una continuidad lógica y sin romper ninguna regla del juego.

Como en todo juego/deporte, se necesita de autoridades que velen por el buen manejo del juego sin infringir el reglamento, evitando así una anarquía que resultaría en el poco disfrute del público (porque debemos recordar, que el objetivo, es el bienestar del público). En esta oportunidad, los que tienen esa tenaz labor, son Paco Caparó y Alejandro Escudero. Veedores de la ley.

Lo más interesante de este espectáculo es que, como público, somos parte IMPORTANTE. Nosotros elegimos al ganador. Utilizando la democracia y una paleta bicolor, nos encargamos de elegir al mejor equipo.

Bajo la conducción del mismo director de la escuela, Sergio Paris, este espectáculo es diversión asegurada.

Todos los miércoles desde el 14 de Abril al 14 de Julio, usted ya tiene una opción para relajarse y reír como nunca. El Satchmo de Miraflores es el Ring de este campeonato.

¡Que corran las apuestas!

Más información…
http://improsportprofesional.blogspot.com/
http://www.ketoimpro.com/

Entrevista en "Out Perú"

2010-04-16T13:30:00.021-04:00

Raúl Sánchez, creciendo como actor

Entrevista por Antonio Capurro

Revista Web "Out Perú"

http://www.outperu.com/

http://outperu.com/home/index.php?option=com_content&view=article&id=371:raul-sanchez-creciendo-como-actor&catid=39:gran-slidehez

Raúl Sánchez es un joven actor peruano con mucha pasión por el teatro, con unas enormes ganas de seguir destacando sobre las tablas y continuar aprendiendo lo aprendido en su formación actoral, a punto de participar en la próxima obra dirigida por Alberto Isola, Raúl nos ofreció esta entrevista donde hablar de lo que más sabe, el teatro y la actuación, apasionado por el arte como lo es su filosofía básica de vida: "Vive la vida Intensa y Apasionadamente. Sin hacerte daño. Sin hacerle daño a nadie. Todo lo demás, está permitido."

Entrevista por Antonio Capurro

¿Cómo te inicias en el mundo de la actuación?

Como muchos, en el colegio. Tuve la suerte de estudiar en un colegio con un programa de Teatro dictado por Sandro Calderón. Luego las cosas se fueron dando y fui parte de un grupo amateur de jóvenes que hacían teatro musical. Así descubrí que era lo mío, así que lo estudié. Llevé un taller de un año con Leonardo Torres Vilar. Egresé y ahora soy profesor en lo que antes era ese taller y ahora es el Conservatorio de Formación Actoral del Británico, con dos años de duración y un staff de profesores de primera. Creo que mi gusto por la actuación nace de varias búsquedas en mí. Una de ellas es lograr el alma predomine más que el cuerpo, que es lo que ocurre cuando estás comprometido y entregado en un escenario. Otra razón es el miedo personal a la muerte. Creo que la gente permanece viva mientras alguien lo recuerde. La actuación en ese sentido es un buen camino para dejar algo en el corazón de los que alguna vez te vieron actuar y así alcanzar la inmortalidad.

En el Perú ser actor no es una profesión fácil pero si enriquecedora, ¿qué ha sido lo más difícil en tu corta pero fructífera carrera?

Creo que es algo con lo que aun sigo trabajando. Me refiero al crecimiento como actor. Es una carrera que requiere de mucha dedicación. Un crecimiento constante es necesario para mantenerse al nivel requerido por un medio tan exigente. No podría decir que la economía es un factor que me preocupa de esta profesión porque soy de los que creen que cuando haces algo que te apasiona, lo haces bien, por lo tanto, la economía llega como consecuencia. Y como bien lo haz dicho en tu pregunta 'en mi corta pero fructífera carrera' a sido siempre así. Apasionada y con consecuencias 'fructíferas' en todo sentido.

¿Te gusta más actuar o enseñar a otros? ¿Cómo te sientes en cada rol?

En mi caso, no hay nada como actuar. Si bien es riquísima la experiencia de enseñar (que dicho sea de paso significa un aprendizaje constante para mi), no hay nada como entregar tu alma y compromiso en un escenario. En la dirección he tenido poca experiencia, realmente he sido asistente de dirección de Leonardo Torres Vilar en dos obras (una en la Universidad de Lima y otra para el Conservatorio de Formación Actoral del Británico). Sin embargo es muy satisfactorio ver como una idea tuya, un aporte, es plasmado en una obra de teatro a beneficio del buen entendimiento, claridad y realidad que el público se merece. Es una experiencia muy enriquecedora.

¿Hacia dónde quieres dirigir tu carrera como actor, a interpretar más personajes de carácter o protagónicos?

La idea de retarme a mi mismo siempre ha sido tentadora. Me encantaría interpretar personajes jalados de los pelos, casi satíricos, sin faltarle a la realidad. Oportunidades de hacer eso hay pocas. Me encantaría que en ese sentido exista un Tim Burton en el Perú y me tome como su actor fetiche como a Johnny Depp (risas). Quisiera dirigir mi carrera como actor por un camino lleno de retos que me obliguen a crecer como artista. Un personaje de carácter siempre es bienvenido, sea o no un protagónico.

¿Te sientes más seguro cuando un director te da más indicaciones o cuando te deja improvisar? ¿Cuando asumes un reto actoral te gusta investigar mucho, de que forma te preparas?

Creo que un buen director es el que permite al actor ser creativo durante los ensayos. El actor, bajo ninguna circunstancia, debe ser marioneta de un director. El actor es un ser creativo y con criterio. Hay que dejar que el actor explore y proponga. Sin embargo, el trabajo del director, es tomar todas esas propuestas y canalizarlas junto con marcaciones e indicaciones como para que la obra pueda ser contada, con claridad y verdad, respetando lo que el autor quería decir con la obra desde la visión del director y con las propuestas de vida que le da el actor. Es todo un trabajo en equipo. Felizmente me he topado con buenos directores.

¿Cuál ha sido el papel que te ha demandado más exigencia o con el cual crees haber destacado más?

El año pasado estaba yo asistiendo en dirección en una obra que era el Proyecto Final de los Alumnos egresantes del Conservatorio. Dos semanas antes del estreno uno de los actores se accidenta, así que tuve que asumir su personaje. Representaba un reto no solo por el poco tiempo que tenía yo para asumir el personaje, sino también porque el personaje era de un hombre mucho mayor a la edad que realmente tengo. Tuve que trabajar el peso de un hombre a esa edad. Fue todo un reto.

Trabajas no solo en obras de teatro sino también has hecho comerciales, videoclips, cortometrajes y tevé, ¿qué tal la experiencia con esto? ¿Te preparas mucho antes de ir a un casting?
De hecho, lo primero que hice frente a cámaras fue un Videoclip de Gianmarco hace cuatro años dirigido por Percy Céspedes, fue toda una experiencia. Luego vinieron los cortometrajes universitarios e independientes. Cada uno una experiencia distinta, pero siempre con un trato muy amable y respetuoso de parte de la producción. Debido a que la docencia llegó en mi camino a una temprana edad, no me he enfocado mucho en hacer castings para televisión. Recién este año estoy un poco tratando de entrar a ese medio. Lo máximo que he logrado recién es hacer unos bolos para algunas miniseries. Poco a poco será.

¿Te gustaría más estar en la televisión si se diera la oportunidad?

Si claro. Como en todo medio (Cine, Teatro, etc) hay producciones de mi agrado y otras que no tanto. No por eso no debemos darle una oportunidad al medio. Sobre todo porque es, como mencioné antes, un oportunidad de crecer, un reto.

¿Cómo ves el desarrollo del teatro en el Perú, en Lima hay varios grupos y compañías, pero crees que se ha masificado?

Creo que hay teatro y producciones que han crecido mucho. Lo cual es un gran avance y una gran alegría para mí. Es un placer poder ver hoy en día que existan vallas publicitarias dedicadas al teatro, que hace solo un par de años no había. Sin embargo, no creo que se pueda hablar aún de un 'boom' en el teatro. Es necesaria la apertura de nuevos teatro y espacios alternativos. También es necesario culturizar a la gente, de mi generación sobre todo, que el teatro es una muy buena opción. Conozco mucha gente que no va al teatro porque dicen que es aburrido, sin embargo, jamás han pisado un teatro ¿Cómo pueden saber entonces que es aburrido? Conozco también gente que fue alguna vez a una obra de teatro y no le gustó, por eso ya no va al teatro. Yo me pregunto ¿Cuando ves en el cine una película que no te gustó, dejas de ir al cine? ¿Empiezas a decir que el Cine es aburrido? Una ves que exista esa cultura teatral, como lo hay en Argentina y otros países vecinos, las empresas privadas apostarán cada ves más por el teatro.

¿Qué debería hacerse para que exista una cultura teatral?

Debe ser parte de nuestra formación desde el colegio. Si bien no debería ser obligatorio para un niño ir al teatro (considerando que al obligarlo podrías ahuyentarlo), creo que si debería ser una opción mucho más valorada que el entretenimiento al que hoy en día nuestros niños están acostumbrados. Hasta hace no mucho habían programas 'infantiles' donde cada semana invitaban a un grupo nuevo de reggaetón y de cumbia. ¿Qué de infantil tiene eso? ¿Qué beneficio educativo puede tener un niño de eso? Lleven a sus hijos al teatro, créanme que es una experiencia que recordarán por siempre.

Coincido contigo, siempre que puedo voy al teatro y es una experiencia irrepetible y única estar delante de los actores, pero por ejemplo en la más reciente he tenido la sorpresa de ver a gente joven entusiasmados con la obra como “El Señor de las Moscas”, y claro he visto que se hace teatro infantil, sería bueno que los municipios locales apoyen esto y hagan obras con temas donde se involucren los jóvenes.

Tengo el placer de conocer a la gente involucrada en 'El Señor de las Moscas'. Lo que ellos han logrado es algo que abrirá las puertas de muchos próximos grupos jóvenes. Felicito y aplaudo también a Plan 9, que en este caso les brindó el apoyo necesario para que estén donde están ahora. Demuestran que un nuevo grupo de teatro si puede llegar a ser exitoso en taquilla y en un teatro tan bello como el Vargas Llosa. Sobre todo demuestran, que el teatro también es para los jóvenes.

¿Has tenido la oportunidad de viajar y ver teatro de otras partes del Perú o interactuar con ellos por la web?

Uno de mis planes este año es viajar a Canadá a visitar a mi hermana por navidad. De paso quisiera ver como es la movida de teatro allá. Tratar de traer ideas positivas que estén funcionando allá como para poder mejorar acá. Gracias al Twitter, al Facebook a mi Blog, he podido conocer actores y directores de diversos países (Colombia, México, Paraguay) y la verdad que es muy interesante compartir experiencias y anécdotas con colegas en el extranjero. Se aprende mucho.

Quizá no sea una pregunta muy fácil de contestar, pero ¿cuáles son las obras de teatro que te han gustado y cuáles crees que son los mejores actores peruanos?

Uff! Te tendría que dar una larga lista por géneros (risas). Pero las que marcaron más en mi fueron 'Art' de la dramaturga Yasmina Reza, que se presentó en La Plaza Isil hace unos años. 'Esta obra es un desastre' dirigida por Ricardo Morán, que considero que es la mejor obra cómica que he visto en mi vida. 'Las Brujas de Salem', 'Respira', 'La fiesta del Chivo'. Entre los actores que se me vienen a la mente debo mencionar a Bruno Odar, Alberto Isola, Carlos Gassols y Leonardo Torres Vilar. Entre las actrices debo mencionar a Delfina Paredes, Norma Martínez y Wendy Vásquez.

Además de ser actor y ser profesor, tienes un blog donde hablas de este maravilloso arte, ¿cómo así decidiste empezar el blog y a qué público que no pensabas has llegado?

Mi hermana es el ser más importante en mi vida. Gracias a ella y a mi cuñado, soy lo que soy ahora. Apostaron por mí ciegamente. Ellos ahora radican en Canadá, así que me pareció una buena idea abrir un Blog con el tema que me apasiona y al que trabajo gracias a ellos, como para que pudieran estar enterados de mis avances, paso a paso. La verdad que no me imaginé que tendría tanta acogida. Recibo comentarios positivos de muchos jóvenes que como yo, se lanzan a esta aventura de hacer teatro. Me llena de felicidad saber estoy ayudando a muchos a seguir adelante o dar ese primer paso al que todos tememos.

Si no fueras actor ¿qué profesión hubieses elegido o no te ves haciendo otra cosa?

Muchas veces me he hecho esa pregunta y siempre me respondo lo mismo. Me gusta la psicología y las comunicaciones, pero para que elegir una de ellas si con la actuación tengo a ambas. No, no me veo haciendo otra cosa.

¿Qué planes próximos, alguna obra, estás ensayando algo?

Ahora estamos en proceso de audiciones para la nueva promoción del Conservatorio, los cuales empezarían a estudiar en mayo por lo que yo retomaría la enseñanza en esa fecha. Por ahí hay algunos proyectos de actuación que ojalá se concreten durante el año. En julio inicio ensayos de la obra 'Madre Coraje' dirigida por Alberto Isola que se presentará en octubre en el Teatro Británico. Lo demás es parte de la bella incertidumbre con la que vive el actor.

Todo un honor ser dirigido por Alberto Isola.

Si, será todo un honor. Y mi objetivo en todo el proceso, será aprender y absorber todo lo que sea posible como si fuera una esponja.

¿Tú eres un actor de escuela pero crees que esto es siempre necesario o no?

Creo que el actor necesita de lo que yo llamo las tres 'T': Técnica, Trabajo y Talento. La técnica es algo que se estudia. Si la considero necesaria, uno no debe fiarse de su carisma y talento natural. El trabajo depende de nosotros, es el empeño que le pongamos a nuestra labor. Y el talento, bueno, algunos dicen que se nace con él o no. Otros dicen que todos nacemos con él, pero hay quienes lo desarrollan más rápido.La idea en la revista es darle la oportunidad al talento joven como tú para que muestren su arte, ha sido un placer charlar contigo.Igualmente Antonio, algo más, de hecho me gustaría a todos tu lectores a lean mi blog.

http://mividayarte.blogspot.com/

http://twitter.com/RaulSanchez_

¿COMO SE SIENTE SER ENTREVISTADO POR PRIMERA VEZ? ¿IMPORTANTE? ¿FELIZ? ¿SIENTES QUE HAS LOGRADO ALGUNA META TRAZADA? ...

2010-04-11T13:16:00.001-04:00

Siento que para ser conciderado por una Revista Web como "Out Perú", alguien que valga entrevistar, quiere decir que es un indicador de que estoy creciendo. Lo más interesante es la gente que lee la entrevista. Ese es aun mayor indicador de creciemiento.

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"Raúl Sánchez: Creciendo como Actor" - Entrevista que me hicieron en "OUT PERU"

2010-04-10T19:52:00.004-04:00

Hola mis queridos seguidores y lectores.
Les dejo el Link de una entrevista que amablemente me hizo Antonio Capurro de la Revista "OUT PERU" acerca de mi carrera como actor. Espero que les guste. Comenten!!!

http://outperu.com/home/index.php?option=com_content&view=article&id=371:raul-sanchez-creciendo-como-actor&catid=39:gran-slidehez

¿SI TUVIERAS QUE ESCRIBIR UN LIBRO? ¿QUE TEMA TRATARÍAS? Y ¿POR QUE?..

2010-04-10T12:23:00.001-04:00

Hay muchas opciones, tengo en mente uno con un título muy sugestivo acerca de como las mejores mujeres se enamoran del peor hombre. Otra opción sería utilizar como modelo al mejor dramaturgo de la historia (Shakespeare) y tratar de continuar su estilo, sabiendo que fracasaría en el camino obviamente. Y sería colaborador de un libro que le llamaría "El Portero de la Perra", la biografía de mi abuelo.

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¿QUE PAPEL NUNCA INTERPRETARÍAS?

2010-04-09T17:39:00.001-04:00

No se si exista ese papel. En todo caso, si rechazo algo no es por el papel, sino por la propuesta de puesta en escena asumo.

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¿Que papel sueñas con interpretar?

2010-04-09T16:20:00.001-04:00

Uff..Cualquiera que me rete. Se que soy capaz de hacer Hamlet. Me siento capaz.

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y cual es esa obra "de las más esperadas" en la que estarás actuando, para ir a verte?

2010-04-09T02:58:00.003-04:00

Aun no se si es pertinente adelantar detalles. Si puedo decirte que estrena en octubre y que es una obra fenomenal. Separa esa temporada.

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dicen que Shakespeare le escribió sus sonetos a un amante hombre. Tú qué piensas? Te parece que la sensibilidad de esas estrofas es una sensibilidad homosexual?

2010-04-09T02:58:00.001-04:00

La sensibilidad no es necesariamente una cualidad homosexual. Creo en todo caso, que es la sesibilidad de un artista.

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Sanford Meisner: El hombre que Evolucionó “El Método”

2010-04-06T19:14:00.018-04:00

Este artículo en particular, será un placer personal escribirlo. El goce que tendré al publicarlo es casi indescriptible con palabras. Solo me queda decir, que es un honor presentarles en este artículo, a un maestro indirecto pero nada ajeno a mi. El creador de la técnica de actuación la cual yo, procuro humildemente siempre aplicar al pie de la letra tratando de hacer honor a su nombre. Técnica la cual tengo el honor y gran responsabilidad también, de difundir a mis alumnos día a día, esperando no faltarle a su origen. Con ustedes: Sanford Meisner.

Nacido el 31 de agosto, en Brooklyn. A una temprana edad, descubrió un gusto por tocar el piano, gracias a que tenía un buen oído para la música. Eventualmente, ingresó al Damrosch Institute of Music (ahora conocido como Julliard School of Music). A raíz de los problemas económicos de la época, su padre dejó de pagarle los estudios y lo puso a trabajar en los negocios de la familia. Una vez concluidos sus estudios escolares, Meisner comenzó la carrera de actor. Conoció así al hombre que luego cambiaría su vida. Empezó actuando en obras chicas en el Lower East Side's Chrystie Street Settlement House bajo la dirección Lee Strasberg. Ambos ingresaron luego al Theatre Guild of Acting, donde actuaron juntos en algunas obras. En 1931, estos dos jóvenes actores, junto con otros 28 actores, formaron un grupo de teatro llamado The Group Theatre. Grupo del cual, tiempo más tarde, saldrían los más grandes maestros de la actuación americana. The Group Theatre se desintegra en 1940 debido a que cada miembro tenía un enfoque distinto de cómo se debería llevar la Técnica de Stanislavsky en ejecución. Lee Strasberg se enfocó en la importancia de la memoria emotiva para llegar al estado creativo necesario en el actor. Stella Adler, también miembro del Group Theatre, viajó a entrevistarse con el mismo Stanislavsky y regresó satanizando la memoria emotiva argumentando que Stanislavsky la consideraba innecesaria y hasta nociva para la psicología del actor. Strasberg, junto con Elia Kazan, fundan The Actors Studio, donde continuaron con las enseñanzas de la técnica según el enfoque de Strasberg, lo cual se conoce hasta el día de hoy como “El Método”. Stella Adler fundó The Stella Adler Conservatory en donde enseñaba un enfoque de la técnica más “amigable” siendo la Imaginación y la Acción las bases de su metodología. Sanford Meisner abrió The Neighborhood Playhouse en Nueva York, donde enseñaba su enfoque único de la técnica basándose en las enseñanzas “sanas” de Strasberg y el uso de la imaginación de Adler, incorporándole un elemento fundamental que evolucionó la actuación en el mundo entero, la escucha y la reacción al otro, viviendo subjetivamente la vida del personaje. A este novedoso y efectivo enfoque se le conoce hasta el día de hoy como La Técnica de Meisner.

No quisiera profundizar en La Técnica de Meisner por una simple razón, creo no poder ser capaz de englobar dignamente tanta información y como es debido para que sea entendida como tal, en un solo artículo. No tengo intenciones de faltarle el respeto a una técnica ni a un hombre al que le debo tanto. Sin embargo, puedo dar mis apreciaciones al respecto. Debo confesar, que a mi humilde parecer, es una técnica completa, eficaz y sobre todo, adaptable a todo medio (si bien es un entrenamiento para teatro, puede adaptarse a cine y televisión). La vivencia plena que sugiere esta técnica y el compromiso de escucha y conexión, son los medios por los cuales una realidad intensa es puesta en escena por el actor. Nos ayuda a tener personajes vivos, presentes y llenos de sinceridad. Superando las barreras del naturalismo, se llega a un realismo intenso y verosímil. La realidad del hacer, jamás fingir, nunca preplanear y dejarse llevar por un impulso son solo algunos de los factores de la técnica.

En nuestro país solo hay un lugar donde se enseña dicha técnica. El Conservatorio de Formación Actoral del Británico cumple ya cuatro casi años difundiendo esta técnica utilizada por personalidades de la actuación mundial tales como Sandra Bullock, James Caan, Steve McQueen, Robert Duvall, Gregory Peck, Jack Lord, Bob Fosse, Diane Keaton, Peter Falk, Jon Voight, Jeff Goldblum, Grace Kelly, James Doohan, Manu Tupou, Tony Randall, y Sydney Pollack (algunos de los mencionados fueron alumnos directos de Sanford Meisner).

El responsable de traer esta técnica a nuestro país es Leonardo Torres Vilar, que en Nueva York estudió dicha técnica con profesores instruidos algunos por el mismo Sanford Meisner.

Los dejo con algunas de sus frases célebres que describían no solo tu técnica, sino también su templanza y carácter.

"Acting is the ability to live truthfully under imaginary circumstances."
"The seed to the craft of acting is the reality of doing."
"You know it's all right to be wrong, but it's not all right not to try."
"There's no such thing as nothing."
"Less is more!"
"An ounce of behavior is worth more than a pound of words."
"Silence has a myriad of meanings. In the theater, silence is an absence of words, but never an absence of meaning."
"May I say as the world's oldest living teacher, 'Fuck Polite!"
"Acting can be fun. Don't let it get around."

¿Y qué hice el Día Mundial del Teatro?

2010-03-29T22:13:00.016-04:00

Como era de esperarse, me fui al teatro. Aunque en esta oportunidad especial, por partida doble.

A las 4.00 PM, estaba yo estacionando mi bicicleta en el Parque María Reiche en Miraflores. No para pasar un lindo día de caminata en el parque, sino para ver una función de “La Chica del Chicle Globo y El Chico que Soñaba con Nubes de Leche”. Con un título tan largo e inocente, tenía que ser algo interesante. Pues así fue. Performance de Teatro-Danza interpretado por Karine Aguirre y Pablo Saldarriaga. Realmente tierna, bien interpretada por ambos y altamente recomendable para todo público. En pleno parque María Reiche y totalmente gratuito. Ejemplo de arte para todos.

Luego tomé mi bicicleta y me dirigí al Teatro Mocha Graña para ver la penúltima función de la obra “Un Director” y para ver en que podía ser útil. Dar una mano, el día mundial del teatro, debe tener doble mérito. La directora me dijo que si podía leer yo el Mensaje Nacional por el Día del Teatro de este año escrito por Alfonso Santisteban. Obviamente, no rechacé la propuesta. Así que tuve el honor de leerlo previo al inicio de la función. Mensaje muy emotivo, inspirador y lleno de sensaciones personales através de experiencias del mismo Alfonso Santisteban.

La verdad lo celebré como era debido. Llenándome de la magia del teatro, esta vez, como espectador.

¡Día Internacional del Teatro!

2010-03-23T18:21:00.016-04:00

Todos los 27 de Marzo desde hace ya cuarenta y nueve años se celebra el Día Internacional del Teatro. Creado en 1961 el International Theatre Institute (ITI), ente asociado a la UNESCO, con sede en París, por iniciativa del finlandés Arvi Kivimaa.

Cada año, en dicha fecha, antes de empezar la función, es leído un mensaje escrito por alguna de las destacadas personalidades del teatro mundial. Arthur Miller, Peter Brook, Laurence Olivier, Pablo Neruda, Eugéne Ionesco, Antonio Gala, Edward Albee o Robert Lepage son solamente algunos de los ilustres nombres a los que se les encargó un mensaje para lanzarlo a los cuatro vientos como bandera de los teatreros del mundo en tan señalada fecha.

Este año el honor ha recaído en Judi Dench, actriz británica de dilatada y exitosa carrera que, justamente, a comienzos de los años 60 se enrolaba en la Royal Shakespeare Company después de haber debutado, en la década anterior, en Liverpool con un "Hamlet". Ganadora del Oscar por su interpretación de la Reina Isabelle en la película “Shakespeare in Love”. También participó en la obra y versión cinematográfica de “Nine”. Su mensaje es el siguiente:

"El Día Mundial del Teatro es una oportunidad para
celebrar el Teatro en todas sus múltiples formas. El Teatro es una fuente de
entretenimiento e inspiración, y tiene la habilidad de unificar las diversas
culturas y a las gentes de todo el mundo. Pero el teatro es mucho más que eso y
también brinda oportunidades para educar e informar. El teatro se representa en
todo el mundo y no siempre en los escenarios tradicionales. Las representaciones
pueden suceder en un pequeño pueblo de África, en una montaña en Armenia o en
una pequeña isla del Pacífico. Todo lo que necesita es un lugar y un público. El
Teatro tiene la habilidad de hacernos sonreír, de hacernos llorar, pero también
debería hacernos pensar y reflexionar. El Teatro surge a partir del trabajo en
grupo. Los actores son las personas que se ven, pero hay un gran número de
personas a las que no se ve. Son tan importantes como los actores y sus variadas
y especializadas habilidades hacen que una producción sea posible. También
deberían compartir los triunfos y los éxitos que puedan ocurrir. El 27 de marzo
es oficialmente el Día Mundial del Teatro. Por muchos motivos todos los días
deberían ser considerados días del teatro, porque tenemos la responsabilidad de
continuar la tradición de entretener, de educar y de iluminar a nuestras
audiencias, sin los cuales no existiríamos."

Judi Dench.

Este año coincide con “La Hora del Planeta” en donde se apagarán las luces en el mundo entero de 8.30pm a 9.30pm. Así que les propongo algo: Apaguen las luces en sus casas y vayan al teatro, que habrán muchas buenas opciones y de calidad.

"Un Director"

2010-03-21T13:50:00.009-04:00

Una de las tantas cosas que me emocionan de esta profesión, es ver a la gente que te rodea crecer, ya sea a tu lado o independientemente. Siendo tan difícil un medio como este, el mérito es doble.

Hace un tiempo me enteré que una amiga llamada Jimena del Sante se lanzaría a dirigir su primera obra, luego de egresar del taller de dirección de Jorge Chiarella. Iniciativa la cual aplaudí considerando que ella tiene nada más y nada menos que 19 años de edad. Al poco tiempo me contó que consiguió teatro, nuestro querido Teatro Mocha Graña. Luego me enteré que la obra que dirigiría sería “Un Director” de José Enrique Mavila, obra que ya fue puesta en escena en nuestra ciudad en el año 2004, producida por Plan 9 y dirigida por Giovanni Ciccia.

Ayer, luego de casi dos semanas de su estreno, recién me tomé el tiempo de ir y apoyar a esta novel directora. Cuando me entregaron el programa de mano, noto que en el reparto, escritas en letras un poco más grandes, se encuentra el nombre de Paco Caparó. Nombre que se me viene a la mente cuando pienso en los eventos de Impro que alguna vez he visto tanto del Grupo Ketó. Estaba ansioso de verlo en un personaje de tal exigencia como la de El Director. Sigo leyendo y veo tres nombres más que jamás había visto, no los conocía yo personalmente, lo cual lo hace más interesante aún. Cuando uno va a ver una obra y ve en el elenco nombres conocidos, va con la idea de ver un trabajo interpretado por la persona en mención y a ver como asume ese reto, sin embargo, cuando los nombres son desconocidos, existe aún mayor expectativa, quizá por la idea de la posibilidad de los dos polos opuestos: O bien me encanta la actuación, o me desagrada. En este caso, me llevé una muy buena impresión de estos tres chicos, cuyos nombres, luego de ver la obra, recordaré y apostaré por verlos en más obras. Ellos son Bruno Ocampo, Esteban Philipps y Gonzalo del Águila. Felicitaciones a los cuatro (incluyendo a Paco, que demostró una interpretación limpia y bien analizada del personaje).

De la dirección debo decir, que para ser una joven de 19 años, logró cosas que no he visto en muchas obras de gente con cierta experiencia en el medio. Limpia, ordenada, justificada, pensada a beneficio de un público y utilizando el criterio debido como para respetar la estructura dramática. Sorprendido gratamente.

Los invito a ver la obra para que se sorprendan como yo, o quizá no lo hagan, en ese caso desearía leer comentarios al respecto por medio de este Blog.

(Debo aclarar que este artículo, una vez más, no pretende ser una crítica teatral, sino una apreciación de cómo el teatro afecta mi vida y como me hace sentir).

“Un Director” de José Enrique Mavila
Dirigida: Jimena del Sante
Del 5 al 28 de Marzo (es decir, esta semana que viene es la última)
Viernes a Domingo 8:00pm
Teatro Mocha Graña (Av. Saenz Peña 107, Barranco) Venta de entradas en la misma boletería del teatro.

“El Señor de las Moscas” La Reposición

2010-03-15T22:12:00.005-04:00

Este Blog jamás pretendió ser de crítica teatral, por lo que este artículo tampoco lo será. Desde que se inició este Blog hace unos meses atrás, es la primera vez que escribo de una obra en la que no he participado yo como actor o como asistente de dirección (y no será tampoco la última vez, porque pienso implementar más de estos artículos al Blog). Esta es una humilde apreciación de una obra, de un elenco, de una producción, que ha crecido y que por lo tanto me llena de alegría. Un grupo de actores jóvenes llenos de energía y ganas, un director que sabe lo que hace y el apoyo de una coproducción como la de Plan 9, han logrado la Reposición de “El Señor de las Moscas”.

Tuve la oportunidad de ver la obra cuando se montó en año pasado en el Teatro Julieta. La sorpresa fue grata. Ver como un grupo joven asume un reto de tal magnitud y que lo desempeñen con éxito, hizo que me vinieran ganas de apoyarlos en lo que necesitaran para crecer. Ahora, montan la obra en el Teatro Mario Vargas Llosa. No sólo aumentaron las butacas y creció el escenario, también aumentó el público y crecieron ellos. Fui testigo de aquello el día del estreno, al cual fui cordialmente invitado por ellos.

Si partimos del hecho que “El Señor de las Moscas” de William Golding, es originalmente una novela, entendemos que existe el reto de adaptarlo al teatro para que pueda ser montado. Primer reto cumplido. Eduardo Camino fue el encargado de adaptar esta maravillosa novela en dramaturgia, claramente interpretable.

Hoy, con el programa de mano que adquirí el día del estreno, puedo leer en palabras del mismo director, Paco Solís Fúster, el proceso de crecimiento y el trabajo puesto en él. Es curioso notar que él, como muchos otros obreros de este medio, mencionan la carencia de espacios escénicos como uno de los mayores obstáculos para el crecimiento de nuevos grupos. Tema ya recurrente en este Blog al citar entrevistas y comentarios de gente del medio. Es posible entonces que lo tome como próximo artículo. También puedo notar en sus palabras, un énfasis en el agradecimiento a las personas que los apoyaron en el camino. Es ahí donde noto quizá, el secreto de su crecimiento, dado que la humildad y la gratitud son la base para un desarrollo.

Volteando las páginas del programa de mano, encuentro la foto de los doce actores del elenco. Todos de edades similares y ninguno que pase de los veinticuatro años como máximo (quizá el actor Giancarlo Chichizola si sea un poco mayor, pero justifica siendo él quien interpreta a los únicos dos adultos de la obra).

Debo reconocer en todo ellos, el trabajo puesto en escena. Saltan, bailan, gritan, se pelean, juegan y por si fuera poco, hacen también los cambios de escena. Mis respetos. Mantener esa energía durante dos horas de obra, sin intermedio y sin descuidar el importante trabajo actoral para poder interpretar a niños en una situación crítica, no es algo fácil de hacer. Pensar que comenzaron a ensayar en el parque de Miraflores para la puesta en el Teatro Julieta y ahora están el Teatro Vargas Llosa. Sin desmerecer a nuestro querido Teatro Julieta, es un gran crecimiento que nos da ejemplo de que si se puede hacer cosas buenas y de calidad en este país, creciendo de a pocos.

Dicho elenco está conformado por:
Oscar Meza
Raúl Saco
Sergio Maggiolo
Diego Alonso Ramos
Piero Fuentes
Cristián Tejeda
Renato Rueda
Gabriel Gonzáles
Bruno Espejo
Sebastián de los Heros
Martín Velásquez
y Giancarlo Chichizola

Les recomiendo que vayan a ver esta obra. Su profundo contenido acerca de la vida los hará reflexionar de la evolución del ser humano. Tomando en cuenta que la obra inicia con niños perdidos en una isla que solo quieren jugar (que bien podríamos interpretar como los inicios del hombre en este planeta) que luego son obligados a buscar en su lado más animal, los medios correctos de supervivencia. Quizá seamos eso. Niños que solo quieren jugar, pero nos vemos obligados a sobrevivir, y es ahí donde se transgrede todo.

De jueves a domingo 8:00 pm.
Del 13 de marzo al 11 de abril 2010.
Teatro Mario Vargas Llosa – BNP (Calle de la Poesía 160, San Borja).
Entradas a la venta en Teleticket y en la boletería del teatro.

Lo que siento cuando subo a un Escenario

2010-03-08T16:01:00.019-05:00

Si bien es cierto que todos los artículos que he escrito en este Blog han sido escritos desde un punto de vista personal, éste en particular lo será aun más. Narraré como es que me he sentido y siento YO al subirme a un escenario para interpretar un personaje. Recalco la palabra “YO” dado que cada uno de nosotros somos seres distintos, con sensaciones diferentes, con temores y experiencias diversas que hacen que, subirse a un escenario para ustedes, sea quizá un mundo muy distinto al mío. Aun así, no quisiera que esta sea una narración egoístamente anecdótica e introspectiva, con el fin de plasmar todo lo que yo llevo dentro y exponerlo al mundo como si yo fuera el molde perfecto en el que se tienen que acomodar todas las experiencias por igual. Al contrario. Mi objetivo al escribir este artículo es llegar a ustedes a través de la identificación de una experiencia similar o la discrepancia de sensaciones. Lo que quiero es compartir y que ustedes también compartan sus comentarios y experiencias.

Para comenzar, debo confesar que no todas las veces que me he subido a un escenario las experiencias han sido las mismas. Si tuviera que marcar la diferencia entre una y la otra, creo que se debería a la obra que estoy haciendo y la confianza que le tengo a dicha puesta. Recuerdo que, cuando recién empezaba a actuar (en la época en la que hacía musicales y no había estudiado actuación), hubieron oportunidades en las que, una vez cambiado y maquillado, mientras daban sala para que el público entrara, no sentía nervios ni emoción. Lo cual me preocupaba mucho. Que terrible es hacer algo y no sentir esa dosis necesaria de temor porque todo salga bien. Dosis que a su vez impulsa y da energía. Entonces me pregunté ¿Por qué? Tiempo después me di cuenta que era cuestión de la confianza de lo que estaba entregando a un público. No solo desde un plano personal, sino también como grupo. Lo cual no era una cuestión de poco trabajo invertido. Creo que yo era demasiado conciente que el resultado de tanto trabajo, no llenaba mis propias expectativas, por lo que dudaba que llenaran las del público, que en ese entonces eran cuatro gatos y todos amigos nuestros.

Una vez que estudié actuación y las puestas se hacían cada vez más profesionales, con más público diverso que no eran solo nuestros amigos y familiares y rodeado de actores cada vez más competentes, recobré por completo la emoción previa a salir a escena. Sentía que las doscientas cincuenta personas sentadas en sus respectivas butacas, esperaban algo bueno y no iban solo por compromiso. Lo cual siempre ha sido sinónimo de reto para mí. Además, una vez que estudias una técnica de actuación, sabes que “actuar” involucra vivir plenamente la circunstancia del personaje y desde su punto de vista, sin embargo, las emociones que brotan, son tuyas. Por lo tanto, debes estar preparado para “desnudarte” emocionalmente ante un público crítico y expectante. Es ahí donde se generan estos nervios ricos en el actor.

Lo más interesante ocurre una vez que cruzas el límite entre cajas y el escenario. Todo temor, todo juicio y duda desaparecen a favor de una vivencia plena del personaje. Te olvidas que estas siendo observado por personas ajenas a la historia. Empiezas a vivir la vida del otro. Muchos dicen que para ellos el público desaparece. Puedo creer que te olvides del público durante gran parte de la obra, sin embargo eres conciente que están presentes. El público juega una parte importante al momento de actuar. Sus risas, llantos, exclamaciones de sorpresa, cuchicheos y comentarios te dan energía. Es por eso que es imposible no saber que existen, sin embargo su participación es externa al trabajo del actor.

Caminar en un escenario mientras se está actuando es casi como caminar en el espacio. Siento que cada paso mide una gran distancia. Siento que el tiempo no es real. Se convierte en un concepto en donde sólo sobre el escenario, es errado. Los minutos están llenos de vida que los hacen parecer segundos u horas, dependiendo de lo que estas viviendo. Siento una rara libertad. Y digo rara porque dentro de las marcaciones necesarias de la obra y el texto del autor que se debe respetar, siento que puedo volar y entregarme al cien por ciento, sin temor. Al contario. Entre mayor entrega mejor saldrá la escena. Jamás escucharán un critico de teatro decir: “Ese actor hizo mal, demasiada entrega”, o a un director decir “En este momento, no te entregues tanto por favor”. Soy libre, fuerte y a pesar de la edad que tenga en la vida real, siento sobre mis hombros la mochila pesada de los años del personaje. Los sonidos, las texturas, los colores y los aromas se hacen muy intensos. Soy sensible a todo lo que me rodea, a tal punto en que me fusiono con todo. Soy parte de todo. Al tener mi concentración puesta en todo lo queme rodea, todo me afecta, en mayor o menor nivel, emocionalmente. En fin, es una experiencia metafísica.

Desearía que me cuenten sus experiencias. Sean similares o completamente distintas a la mía. Es bueno que siendo nosotros actores, representando un porcentaje mínimo de la población mundial que ha tenido el privilegio de subirse a un escenario, compartamos experiencias. Para los que jamás se has subido a un escenario y desean vivir esa experiencia, también quisiera saber de ustedes.

¿Sabías que...?

2010-03-01T15:00:00.021-05:00

Datos curiosos y Supersticiones del Teatro y la Actuación que quizá Ud. no sabía.

Datos Curiosos: Los Orígenes.

Antes que nada, decir que la palabra “Teatro” proviene del griego: “Tetaron”. La palabra actual deriva también del latín: “Theatrum”.

Significado de “Teatro” según La Real Academia:

“Género literario al que pertenecen las obras dramáticas compuestas para ser
representadas en un escenario.”

El teatro esta representado por dos máscaras. Una que sonríe y otra que llora. Representando así la Comedia y el Drama o Tragedia respectivamente. Símbolos de origen griego. Cada una con su respectiva Musa:

TALIA
Es la musa de la comedia. Una diosa de las fiestas dionisias, presidía los banquetes animados por la música, el canto y la alegría. Lleva por atributos corona de hiedra y en una mano, una máscara sonriente.

MELPOMENE
Es la musa de la tragedia. Se la representa como una matrona majestuosa, en una de sus manos sostiene un cetro y una corona, en la otra, un puñal. Se halla rodeada de fortalezas, armas y laureles y a su arrogancia se une la tristeza de la soledad.
Un mito cuenta que Melpomene tenía todas las riquezas que podía tener una mujer, tales como la belleza, el dinero, los hombres, etc. Solo que teniendo todo esto, no podía ser feliz, y eso es lo que lleva al verdadero drama de la vida, tener todo no es suficiente para ser feliz.

Esquilo, dramaturgo griego, murió golpeado por una tortuga que se desprendió de las garras de un águila que sobrevolaba su cabeza. La calvicie de Esquilo, fue confundida por el águila como una roca en la que podría destrozar el caparazón de la tortuga para poder así comerla.

Durante la época del Teatro Elisabetiano, el teatro se convirtió en un vicio para la gente de la época, pero no sólo tenían este capricho, también les encantaba el tabaco. Fumaban constantemente durante el transcurso de las obras y convertían la atmósfera teatral en una permanente atmósfera ahumada. Las actuaciones tenían lugar durante la primera parte de la tarde, ese horario era el ideal porque todavía no había anochecido y se podía aprovechar la luz del día.

Miguel de Cervantes Saavedra y William Shakespeare, que son considerados los más grandes exponentes de la literatura hispana e inglesa respectivamente, murieron ambos el 23 de abril de 1616. Jamás se conocieron.

Según varios eruditos, las dos últimas obras de Shakespeare, “Enrique VIII” y “Dos parientes nobles”, fueron escritas en colaboración con John Fletcher, otro dramaturgo inglés de aquel tiempo. En una conversación que tuve con la gran actriz Rosa Wunder, antes de una función de “Los árboles mueren de pie”, en el Teatro Mocha Graña, ella sostenía una teoría en la cual dudaba que un solo hombre pudiera haber escrito tantas obras tan maravillosas y tan perfectas. Según ella, William Shakespeare, no escribió todas las obras que nosotros le atribuimos. En el curso que llevé en el Conservatorio de Formación Actoral de Estilos II: Shakespeare (Dictado por Leonardo Torres Vilar), una teoría similar se lanzó por ahí. Hay gente que cree que “S.H.A.K.E.S.P.E.A.R.E.” es un nombre compuesto de las siglas de todos los dramaturgos que escribieron las obras de aquella época Isabelina, y que quisieron mantener su anonimato. Aunque la existencia de William Shakespeare ya fue confirmada, es curioso ver como tanta majestuosidad hace que la gente dude de su existencia.

Alfred Jarry, un precursor del “Absurdo” en el teatro y en la literatura, tenía apenas quince años de edad cuando escribió y escenificó ¨Ubu Rey¨. Un verdadero genio.

Datos Curiosos: Los Personajes.

Se sabe que Charles Chaplin, el famoso actor, director, escritor y productor de cine; una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin. Sin embargo, perdió. No alcanzó ni las finales, increíblemente el resultado fue desastroso, no pasó de la primera ronda y los jueces le dieron una de las peores calificaciones de su tanda. En una entrevista realizada para el Chicago Herald el 15 de Julio de 1915 Chaplin relata la historia con gran ironía y comentó que fue “tentando a darles lecciones de la “caminata de Chaplin”, por pena y también deseando ver la cosa hecha correctamente”.

Sandra Bullock, antes de impedir que un autobús explotara si disminuía de 50 millas por hora en la película “Speed”, aceptó salir “topless” en la cinta “Fire on the Amazon” (Fuego en el Amazonas). Que dicho sea de paso, fue dirigido por el peruano Lucho Llosa. En donde actuaron muchos actores y actrices nacionales tales como Natalia Torres Vilar, Baldomero Cáceres, Carlos Victoria, Reynaldo Arenas, Ramón García, Gilberto Torres +, entre otros. Quizá uds. ya sabían este dato, pero a me sorprendió al enterarme.

¿Y que hay de las Supersticiones que se mantienen hasta nuestro tiempos?

Es superstición entre los actores, sobre todo en el teatro, no salir a escena con ropa amarilla, ya que puede conducir al fracaso o a cosas aún peores. La razón de este miedo escénico reside en el dramaturgo y actor francés Jean-Baptiste Poquelin (1622-1673), llamado Moliére. En febrero de 1673, Moliére estrenó el ballet-comedia “El enfermo imaginario”, que toma por blanco de su sátira a los médicos. Pocos días después del estreno, en plena representación, el dramaturgo se sintió indispuesto, y murió unas horas más tarde en su domicilio. En la representación, Moliére vestía ropas de color amarillo.

Hay obras consideradas “malditas”. Muy especialmente “Macbeth”. Que no sólo es un desafío interpretarla: con sólo nombrarla en las inmediaciones de un teatro alcanza para invocar a mala fortuna. Se dice que ya en su primera representación, Shakespeare tuvo que hacer el papel principal femenino porque el muchacho elegido para ese rol se enfermó súbitamente y murió. La historia enumera teatros incendiados, actores pasados a mejor vida en medio del escenario y todo tipo de calamidades alrededor de Macbeth. Algunas comprobadas, otras no tanto. Dicen que el mito sobrenatural está relacionado con una canción que forma parte de la obra, en la cual unas brujas, en la ficción, invocan a espíritus malignos. Pero alejándonos del plano místico, hay una razón por demás profana para el miedo de los actores a “la obra escocesa”. En épocas contemporáneas a su autor, las compañías que hacia el final de la temporada no hubiesen tenido éxito en la taquilla, debían recuperarse “de apuros” interpretando una obra popular que en la mayoría de los casos era, justamente, Macbeth. Por lo tanto, esta obra era vista por la compañía como “la última oportunidad”: si fallaban, serían despedidos.

¿Saben más Datos Curiosos o Supersticiones? Estoy ansioso de leerlos.

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2010-02-22T11:17:00.001-05:00

Con ganas de recibir preguntas interesantes..de gente interesante http://formspring.me/RaulSanchez

El Conservatorio de Formación Actoral del Británico

2010-02-18T13:45:00.031-05:00

En artículos anteriores he mencionado mucho el Conservatorio, sin embargo creo que no he profundizado mucho en el tema y estoy seguro que hay gente que estará preguntándose; “Pero… ¿el Conservatorio no es de música?” (Como ya me lo han preguntado anteriormente). Pues no. Existe un Conservatorio de Formación Actoral, y al ser este tan importante en mi vida y en la formación de mi persona, creo que amerita una pequeña reseña de lo que es, según mi punto de vista y palabras (no pretendo ser un folleto publicitario), esta valiosa escuela para los que quieran ejercer la actuación como una profesión.

En el 2006 yo me atreví a hacer lo que quise hacer. Estudiar actuación. Fue el mejor atrevimiento de mi vida. Todo empezó cuando fui a ver una obra de teatro que me dijeron que era buena y que la entrada era libre. Por supuesto, que si alguien me menciona “Teatro” y “Gratis” en una misma oración, yo estaba ahí presente en un santiamén. La obra se llamaba “Cinco mujeres con un mismo vestido” y se presentaba en el Teatro Británico. Al término de la obra, salí pasmado con las buenas actuaciones y lo buena que me había parecido la obra en general. Parecía tan real, que por un momento creí ver un “documental en vivo” más que una obra de teatro. Al cruzar la puerta del hall una linda señorita me entregó un folleto que decía: “Audiciones para el Taller de Actuación de Leonardo Torres Vilar”. Volví a abrir mi programa de mano de la obra y leo que el responsable en la dirección de la obra y la formación de estos noveles actores y actrices era el mencionado en el folleto. Así que se me ocurrió la locura de pedir, al día siguiente, los monólogos con los que tenía que hacer la audición. En ese entonces yo no podía pagar un taller, solo quería audicionar, para que alguien tan posicionado en el medio como lo es Leonardo, me diga si tengo talento. Llegó el día de la audición, hice mis dos monólogos como yo, desde mi poca experiencia actoral, creía que se debían hacer, me entrevisté con Leonardo y luego salí de la audición. A las dos semanas recibo la llamada que cambiaría mi vida: “Sr. Raúl Sánchez, Ud. Aprobó la audición y es invitado a ser parte del Taller de Actuación”. Así empezó todo. Aprendí no solo a actuar (sin actuar, lo cual veremos más adelante) sino que también aprendí mucho de la vida. Mucho. Crecí. Encontré mi camino de vida.
Egresé luego de un año completo de esfuerzos. En el verano del 2007, recibo un mail de Leonardo proponiéndome el cargo de Asistente/ Jefe de Prácticas de lo que dejaría de ser el Taller de un año de duración para convertirse en el Conservatorio de Formación Actoral del Brtitánico, de dos años de duración, con una currícula y cursos diversos, dictados por gente de peso tales como Kareen Spano (Curso de Estilos), Tina Flores (Historia del Arte), Pedro “Perico” Carranza (Movimiento/ Teatro Danza), Alfredo Bushby (Teatro en Latinoamérica), Ernesto Raez (Historia del Teatro), Liliana Choza (Producción Vocal), Natalia Torres Vilar (Psicología para el Actor) y por supuesto Leonardo Torres Vilar (Director del Conservatorio y Profesor del Curso de Actuación). Evidentemente, no dude ni una sola vez, y respondí con un gran SI. Tres años de crecimiento después, soy ahora parte del Staff de Profesores.

¿De que se trata el Conservatorio de Formación Actoral del Británico?

Bueno, para los que no saben, Leonardo viajó hace unos años a Nueva York para estudiar actuación en la prestigiosa “The Academy of Dramatic Arts”. Participó de varias obras de teatro, por los cuales ganó dos veces el Premio ACE por su participación como actor. Luego de eso, tomó la decisión de volver al Perú y enseñar esta “nueva técnica” (nueva para nosotros los peruanos, pero que en los Estados Unidos es pan de cada día). Me refiero a la técnica de Sanford Meisner, siendo esta una evolución de “El Método” de Lee Strasberg, siendo esta última la versión americana de la Técnica de Konstantin Stanislavsky (Padre del Realismo en la Actuación Rusa y Mundial).

En el Conservatorio se enseña como base y pilar de nuestra filosofía la técnica de Sanford Meisner. Luego se complementa con técnicas como las de Stella Adler y Lee Strasberg. Estas técnicas enseñan a “NO ACTUAR”, lo cual suena contradictorio en una escuela de actuación, pero créanme que no lo es. El objetivo es lograr una realidad escénica a tal punto de estar viviéndola de subjetivamente, siendo así verosímiles. No es sencillo, requiere de mucho trabajo, dedicación y comprensión de la técnica (no tanto racionalmente, pero necesariamente a un nivel emocional). Una de las tantas virtudes de esta técnica es su adaptación al formato teatral, al cine y televisión.

Siendo objetivo en el tema, me parece que es la escuela de actuación más completa que existe en Lima. Teniendo en la actualidad casi cuatro años de formación actoral, con egresados que se encuentran trabajando en los campos de el teatro, el cine y la televisión, siendo todos identificables por ser reales en escena.

Ofelia Lazo, una vez me dijo mientras actuaba con ella: “Tu me miras a los ojos. Reaccionas de verdad a lo que te doy. No muchos actores hacen eso”. Cosa que me llenó de orgullo porque la técnica que aprendí se trataba mucho de eso. De ser, no de fingir. De existir, no de indicar. De reaccionar al momento, no de preplanear.

El Conservatorio crece y yo junto con él.

Si quieren más información entren a la página de la Asociación Cultural Peruano Británica.

http://www.centrocultural.britanico.edu.pe/CursoTaller_Detalle.aspx

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2010-02-16T12:59:00.001-05:00

Si preguntan de mi vida y de mi arte (la actuación) las preguntas se publicarán en mi Blog!! http://formspring.me/RaulSanchez

El Actor y su Ego

2010-02-11T18:11:00.016-05:00

El egocentrismo y la necesidad de reconocimiento

Agradecimientos a Martín Castañeda por sugerir el Tema en Facebook y a Luis Alberto Urrutia por su aporte final. (Ambos colegas actores)

El artista en general, goza de una sensibilidad y vulnerabilidad que le permite estar en contacto emocional con todo lo que le rodea. Esto es fundamental para toda creación artística en la que se pide no pensar, sino sentir. Como el caso de la actuación por ejemplo, en la que estamos con las emociones a flor de piel, viviendo intensamente sobre un escenario una vida que no es la nuestra, sin embargo con herramientas que parten de nosotros mismos. Es decir, quizá el personaje este llorando intensamente por la muerte de su madre, pero el actor está utilizando un recurso propio y ajeno al del personaje para llegar a ese estado emocional extremo que requiere la escena.

Es por eso que somos tan susceptibles ante la crítica. Sentimos que al criticar nuestro trabajo al construir un personaje, están criticando no solo nuestra labor, sino a su vez, la parte de nosotros utilizada para llegar a ese personaje. Es decir, lo tomamos a un nivel personal.

La misma mecánica ocurre al momento de recibir un reconocimiento, o la falta del mismo. En el trabajo del actor, los reconocimientos más comunes y esperados son los de tus compañeros de trabajo, tu director y por supuesto, el aplauso de tu público. Hacer una comedia y no escuchar carcajadas del público puede ser una gran distracción al momento de actuar (es por eso que, dentro de la técnica que yo aplico, la concentración al otro personaje y a las circunstancias son la base de una realidad que a su vez logra la “soledad escénica” de la que tanto hablaba Stanislavsky).

Pero ¿Qué es lo que impulsa al actor ser actor? ¿Por qué elegimos una profesión en la que estamos expuestos y desnudos emocionalmente antes un público, y luego esperamos su aprobación y reconocimiento?

Según el psicoanálisis, podría estar ligado a exponerse, decir “miren quien soy y lo que puedo hacer” y luego esperar el aplauso, buscando así la aprobación de nuestros padres, que quizá nunca tuvimos, o no la asimilamos como nuestra. Teoría interesante, y sin duda alguna, en muchos casos cierta. Por experiencia personal, puedo decir que no se aplica para todos por igual. En mi caso, haciendo una sincera introspección, me doy cuenta que no busco la aprobación de mis padres en el público. Tampoco veo a mi director como una figura paterna, a la que no debo defraudar para recibir una aprobación. Ese no es mi caso.

Creo que lo mío va más por el lado de autosatisfacción de yo mismo saber que puedo hacer algo que no muchos pueden, sin buscar necesariamente el aplauso o la aprobación externa, pero para sentirme único como individuo y en ese aspecto especial.

Leonardo Torres Vilar, en sus clases, siempre recalca lo importante que somos los actores en la sociedad y lo únicos que somos, casi llevándonos a un nivel de deidad. Convirtiendo nuestra labor en una suerte de magia metafísica, alquimia a la que no todos tienen acceso. Eso nos hace sentir especiales. Un egocentrismo que sin embargo es sano, que NO debe perjudicar nuestra HUMILDAD al trabajar ni existir. No somos mejores que nadie, solo somos especiales.

En mi caso también esta relacionado con un temor a la muerte. Siento que algún día llegaré a la inmortalidad en la mente y recuerdos de todos los que alguna vez apreciaron mi arte. Eso me hará inmortal. Todo esto a raíz de un epitafio que vi cuando era muy niño: “Mientras alguien me recuerde, yo seguiré vivo”.

Termino con un comentario que dejó el colega Luis Alberto Urrutia en mi Facebook cuando se propuso el tema:

“…uno no debe hacer arte en función al reconocimiento, uno debe buscar ser creativo en función al desarrollo de la cultura, estar al servicio del resto y mejorar para ofrecer lo mejor, el reconocimiento es solo una consecuencia natural de lo anterior, no debe ser nunca un objetivo.”

ESTOY COMPLETAMENTE DE ACUERDO.

"El actor debe tener el Corazón de un niño y la piel de un Rinoceronte."

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2010-02-09T12:23:00.001-05:00

¡Quién escrbiría tu vida, si fuese una obra de teatro?

Ajá! Esa si es una pregunta interesante! Además mi vida a tenido tantos cambios que realmente parece escrita por diversos autores. Tuve una etapa de mi vida que parece estar escrita por Eduardo Adrianzen. En la actualidad, podría ser una obra de Yasmina Reza. Solo falta que me enamore perdidamente de una mujer...para que sea escrita por Shakespeare.

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2010-02-08T11:52:00.001-05:00

Como asi llegaste a ser tan independiente y seguro de lo que haces?

Creo que las circunstancias de la vida me hicieron desde joven muy independiente. Trbajo desde los 17 (hasta un poco antes de hecho) y a esa edad gracias a que me propuse trabajar, ya ganaba una cantidad de dinero considerable para esa edad. A los 18, pude, quería y debía. La independencia era inminente. Así hasta el día de hoy que tengo 23. Con respecto al estar seguro de lo que hago, es muy curioso. Salí del colegio sin saber que sería de mi vida, literalmente lloraba en las noches de lo traumado que estaba al respecto. Me asustaba mucho el futuro. Pero las cosas se fueron dando, se presentó algo y me esmeré en hacerlo bien, y con el logro venía una satisfacción sobrehumana. La actuación ES lo mio, y eso es algo que uno sabe y lo siente. Un pequeño consejo: Cuando te despiertas en las mañanas, abres los ojos y sonries porque ese día haras algo, estas hecho para ese algo.

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2010-02-07T21:31:00.001-05:00

Donde se encuentra tu escuela de actuaciòn? es todo el año o por temporadas? :)

El Conservatorio de Formación Actoral se encuetra en Miraflores. Justo en el Británico de la bajada Balta (cruce de Diagonal con Benavides casi). El programa tiene una duración de dos años, dividido en ciclos ycada ciclo tiene un timepo de descanso de 1 o 2 semanas aprox.

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2010-02-03T11:31:00.001-05:00

¿En qué proyecto estás trabajando actualmente?

Hola Jazmin. Bueno ayer y HOY esty presentando el proyecto de fin del 1er año (de 2 que dura el conservatorio de formación actoral) de mis alumnos, donde yo tb estoy actuando. Si puedes date un salto estás mas que invitada alas 7pm o 8.30pm en el teatro Británico, Ingreso librem estate un poco antes porq hay cola. Luego de eso, continuaré enseñando actuación en la misma escuela, tengo la oferta de pertenecer a una compañía de actores y el julio comienzo los ensayos de una de "las obras más esperadas de este año" Según Peru21. Dirigida por un maestro y actuando con personalidades que siempre admiré por trayectoria de los cuales sé que aprenderé un montón. Así que en eso estoy...y tu?

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El tema ‘Controversia’ de todo Artista: ‘El Talento’

2010-01-29T19:06:00.010-05:00

Desde que empecé a estudiar actuación y a ejercer el arte, tuve muy en claro un concepto básico. Todo artista necesita lo que yo llamo “Las Tres Tes”. Es decir: Técnica (El estudio del arte y el cómo ejercerlo), Trabajo (el empeño que se le pone a este estudio y al ejercerlo) y por último, y no por eso menos importante, el Talento…

Y nace la pregunta: ¿Qué es el Talento?
Preguntémosle al que se ha convertido al símil de un oráculo en nuestros tiempos, Wikipedia:

"El talento es la capacidad para desempeñar o ejercer una
actividad. Se puede considerar como un potencial. Lo es en el sentido de que una
persona dispone de una serie de características o aptitudes que pueden llegar a
desarrollarse en función de diversas variables que se pueda encontrar en su
desempeño. Es una manifestación de la inteligencia emocional y es una
aptitud o conjunto de aptitudes o destrezas sobresalientes respecto de un grupo
para realizar una tarea determinada en forma exitosa."

Me interesa e intriga mucho este tema, porque yo siempre creí que el Talento es algo con lo que se nace (lo tienes o no lo tienes). De tenerlo, serías capaz de desarrollarlo gracias a la Técnica y al Trabajo. De no ser así, es donde empieza la cruda realidad, de que quizá no puedas ejercer tu arte con éxito.

Sin embargo, hace un tiempo escuché una teoría distinta y fundamentada de alguien que también ejerce la docencia en una de las ramas del arte. No recuerdo textualmente la teoría pero es algo así como:

“Todo ser apasionado a un arte, que se esfuerza por desarrollarlo (Trabajo)
nutriéndose de una Técnica adecuada para esta persona, tiene Talento. Lo que
marca la diferencia entre una persona y la otra, es el tiempo que les lleva para
desarrollarlo. Algunos lo desarrollan a la semana, otros se demoran dos años.
Pero todos tienen la aptitud, si tienen la actitud”

Basándonos en esta nueva teoría, todos los actores jóvenes tenemos el potencial para ser los próximos ‘Marlon Brando’, o quizá los próximos ‘Sean Penn’. Lo único que marca la diferencia entre el uno y el otro es la velocidad en que desarrollamos este potencial. Más no quiere decir que no lo tengamos.

Gran disyuntiva en mí al escuchar esta nueva teoría, revolucionando las bases de mi creencia como formador y eterno aprendiz de un arte como la actuación. Así que regresé al oráculo Wikipedia para leer más del tema:

“El talento puede ser heredado o adquirido mediante el aprendizaje. Por ejemplo,
una persona que tenga el talento de ser buen dibujante muy probablemente legará
esta aptitud a sus hijos o a alguno de sus descendientes. Asimismo una persona
que no es y desee ser dibujante deberá internalizar mediante el aprendizaje
continuo y esforzado la destreza e internalizarlo en su cerebro la condición que
le permita desarrollar la aptitud. El talento intrínseco a diferencia del
talento aprendido es que el individuo lo puede dejar de ejercer por mucho tiempo
y volver a usarlo con la misma

destreza que cuando dejó de usarlo;
el talento aprendido requiere de ser ejercitado contínuamente para no perder la
destreza.”

Entonces, ¿podemos hablar de dos tipos de Talentos?

¿Y que hay con respecto al ‘tiempo’ que requiere desarrollarla? Es un factor, que en este mundo competitivo, marca mucho la diferencia. ¿De que nos sirve llegar a tener lo que se necesita para interpretar Hamlet, pero no poder hacerlo porque ya tenemos demasiada edad para el personaje?

Dejaré por primera vez el tema en debate abierto. Me interesa mucho sus opiniones acerca de este tema tan controversial entre los artistas.

¿El querer, y no poder? o ¿Todos podemos, pero no necesariamente cuando queremos?

¡¡OPINEN!!

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2010-01-29T16:45:00.001-05:00

Siéntanse libres de preguntarme lo que quieran saber. http://formspring.me/RaulSanchez

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2010-01-29T16:44:00.001-05:00

que fue para ti ese cambio que diste de venir de un super colegio a uno que.... bueno quisiera saber tu apreciacion?

Interesante pregunta, me gustarí saber como sabes lo de mis colegios jaja. En realidad en mi Priemer colegio (Markham) aprendí mucho (academicamente es impresionante y compartí vivencias muy buenas, como mi primer acercamiento al teatro, etc) En el Winnetka sin embargo aprendí muchas cosas de la vida. Convivencia, tener "amigos de barrio" (Chaclacayo) que eso no tenía antes, humildad, unión y hasta un estilo muy distinto de chacota, que creo que es escenacial para el crecimineto de una persona. No me arrepiento del cambio en lo absoluto.

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Los que se atreven a escribir, en una casa que se cae.

2010-01-25T13:30:00.010-05:00

Este domingo, “El Comercio”, publicó una interesante entrevista a dos de nuestros más destacados dramaturgos, de los que en este año, tendremos el placer de poder ver sus trabajos puestos en escena. Me refiero a César de María y Alfonso Santistevan.

Ambos comparten en esta entrevista sus experiencias y puntos de vista acerca de la situación del teatro nacional actual y la de épocas gozadas por ellos mismos. Al leer esta entrevista, varias cosas vinieron a mi mente. Trataré de recopilarlas todas, dado que me parece indispensable la difusión y el aplauso a aquellos hombres que, como se menciona en la entrevista, escriben en una casa que se cae. Gracias por asumir ese reto.

Me pareció interesante leer como ambos coincidían al creer que nuestro país es “como vivir una casa que se cae”. Interesante que dentro de nuestra dramaturgia, esta desunión y “precariedad social” (como lo llama César de María) se reflejen en la ausencia de un padre. Que a su vez es el que debería unificar, criar, mantener, formar y proteger. En este tema, es interesante notar que quizá, nuestros dramaturgos comunican en sus obras el sentimiento de no haber sido protegidos y formados por un país, que como menciona César de María, no es un país sólido sino mas bien dividido.

Hubieron frases, que al leerlas me hicieron notar la seriedad, el profesionalismo y el talento que amerita ejercer la dramaturgia en la forma como al ejercen estos dos señores.

“Una obra puede tomarme ocho años (en escribir). Es bueno tomarse
tiempo, así evitas escribir cosas inútiles.” - César de María.

“¡La obra que voy a estrenar la tengo en la cabeza hace
doce años! Pienso que no la escribí antes porque no tenía la madurez
suficiente.” - Alfonso Santistevan.

Fascinante. ¿Se imaginan tener una obra guardada en la memoria y con la carga emocional que ésta lleva, durante doce años? Esto me habla mucho del objetivo de escribir estas obras. No son como hacer un “vino barato y de caja”. Al contrario, se dejan añejar para un mejor regusto. Todo un arte apasionado y acompañado del don de la paciencia.

Al parecer, el tema de los “nuevos espacios” y “el teatro para todos”, es algo en lo que coinciden no solo estos dos notables señores, sino también varios actores y directores del medio con los que he tenido el placer de conversar de la problemática del teatro peruano. Es más, recordemos la nota anterior, también publicada por “El Comercio” y comentada en este Blog, en donde David Carrillo alentaba con urgencia la creación de nuevos espacios y se negaba a un ‘Boom’ teatral porque aún el teatro no llegaba a todos por igual. A veces pienso que los entusiastas de mi generación, como yo, deberíamos invertir quizá, en construir teatros, que a la larga podríamos usar para nuestras obras en vez de estar invirtiendo en diversos montajes solamente. El ser humano siempre tiende a un ligero egoísmo. Es decir, ‘prefiero invertir en hacer diez obras mías, que en hacer un teatro donde todos podemos hacer obras y al alcance de más gente’. Claro que ésta debería ser labor de nuestro gobierno por la importancia que se le toma al teatro y la cultura como para invertir en ella. Tema debatible quizá para otro artículo en el Blog.

Otro tema interesante, fue la comparación entre el ‘costumbrismo’ de mensaje inmediato y la ‘intelectualizada’ dramaturgia que resulta densa en nuestros tiempos. Creo yo que ambos son validos y preciosos. Es nuestra labor también, reacostumbrar a nuestro público a que la ‘densidad’ no es sinónimo de ‘obra aburrida’. Cultivemos el concepto de ‘entender el mensaje profundo’ y no acostumbremos al público a que todo se le de ‘masticado’ (no estoy diciendo que la dramaturgia costumbrista haga esto último, pero si es algo que debemos cuidar).

Me despido de esta nota agradeciendo y aplaudiendo la labor de rigor de estos dos dramaturgos y de todos los demás, que permiten que nuestro teatro siga vivo. Está vivo.

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2010-01-24T12:43:00.001-05:00

¿Cómo descubriste que querías dedicarte a la actuación? O como dirían mis tías: ¿Quién te metió esas ideas en la cabeza o qué bicho te picó?

En el Cole hacía teatro. Aunque aún no era mi pasión, me agradaba. Supe que quería ser actor cuando, una vez que yo ya trabajaba en una tienda y tenía horarios de 8hrs que no me permitían ensayar una obra en la que estaba, me sentí vacío, que no estaba donde quería estar en la vida, sobre ese escenario. Así que apesar de estar ganando economicamente bien para un chibolo de 17 años...renuncié. Y me subi al escenario.

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El Director y el Actor

2010-01-18T14:58:00.010-05:00

Métodos de trabajo en conjunto, Relación y Comunicación

Hace unos días encuesté por medio del Facebook: ¿Qué tema les gustaría leer en la próxima entrada de mi Blog? Por supuesto el primero en responder fue mi cuñado (Rodolfo Ponce), que está pendiente de todo lo que escribo en el Facebook para hacer algún tipo de chiste o sarcasmo que me ponga en problemas al responder. Así que obvié su sugerencia. Luego mi amiga y colega Malu Gil, propuso un tema que me pareció interesante y de posible interés común entre los lectores: “Me gustaría leer un articulo sobre las estrategias de comunicación entre el director y sus actores... muchas gracias”.

Debo confesar que el tema me resulta un reto. En el poco tiempo de carrera actoral que tengo he sido dirigido por cuatro directores distintos en lo que a teatro concierne. También he asistido en dirección en dos obras de teatro. Aún así, creo que se requiere de más experiencias como para abordar el tema con mayor exactitud. Sin embargo, este Blog no fue creado para dar opiniones nutridas de alguien con una basta experiencia, sino para que alguien se identifique con experiencias como las mías. Es decir, de alguien que humildemente comienza esta aventura de la actuación. En todo caso, daré todo de mí para darles mi más nutrida opinión basada en experiencias e investigaciones.

Creo que primero deberíamos dejar en claro las funciones tanto del director como del actor. El director se encarga de plasmar en un escenario, la obra escrita por un dramaturgo, respetando el mensaje y la idea base que el dramaturgo establece. Combinando, por supuesto, su creatividad y visión de la forma en que esta obra debe ser plasmada y expuesta a un público. El actor, es un intérprete constante de los textos del dramaturgo. Su labor es comprender y crear minuciosamente, dándoles vida a los personajes (que hasta ese entonces son tan solo palabras en una hoja de papel).

JAMAS debería el actor ser “marioneta” (por así decirlo) de ningún director, al igual que un director JAMAS debería dar total rienda suelta a la creación de un actor. Pues los resultados serían una obra llena de marcaciones muertas (cuya marcación es evidente) o un caos “masturbatorio” del actor que quiere lucir su creación sin permitir que la historia se cuente debidamente.

Entonces ¿Podemos decir que la relación entre un director y un actor se asemeja a la de un padre y un hijo? ¿O quizá es un tema más cercano a una “complicidad” a favor de una puesta?

El actor es un artista sensible. Cuya labor involucra poner parte de su mismo ser en los personajes que interpreta. Por lo tanto, basta una mínima crítica mal canalizada o una indicación bruscamente expuesta, como para que el actor lo tome a nivel personal y esto sea un bache en la labor de construir su personaje. Es por eso que el director debe saber comunicar con propiedad la visión que él tiene de la obra y “fusionarla” con la propuesta del actor. Es cierto que el actor “propone” y al final es el director quien “dispone”. Sin embargo las cosas son así por un fin de armonía. Lo peor que puede tener un director, es un actor que no proponga. Lo peor que puede tener un actor, es un director “dictador”.

Me gustaría citar un pequeño párrafo que encontré del diario argentino “La Gaceta”, donde entrevistan al director Pablo Gigena acerca de la labor del director y el actor (Dicho sea de paso, el artículo lleva por título “En la relación entre el actor y el director siempre hay una disputa por el poder”):

“Puedo decir que la relación actor director no es siempre igual, y depende del
acuerdo o la pulseada de poder entre ambos; además, está interferida por el tipo
de obra que se lleva a cabo. Casi siempre hay una especie de disputa de poder
entre ambos, que no siempre se da de manera traumática, pero que está presente.
(…)El director busca establecer un tipo de actuación en referencia a ciertos
conceptos direccionales que hacen a la obra ser ella misma y no otra. En ese
marco, el trabajo del actor debe estar supeditado a ese concepto, así como la
música o la escenografía. Esa es nuestra línea de trabajo. Conmigo no va la idea
del lucimiento del actor; su trabajo para mí es como otro elemento de una
puesta. O sea, un actor actúa bien si sabe mantenerse en la línea conceptual de
un trabajo. Por ello, no tolero a los actores que tienen un solo de registro de
actuación, que no tienen cintura interpretativa suficiente como para abordar
cosas diferentes con su persona e intentan repetir un modelo preestablecido de
personaje”

– Pablo Gigena, director de teatro argentino.

En las experiencias que he tenido yo siendo dirigido o asistiendo en dirección, creo que algunos de los problemas recurrentes son por ejemplo el actor o actriz cerrándose a la idea del director o asumiendo por inseguridad que lo está haciendo mal y que no lo puede hacer mejor, quizá también direcciones demasiado “libres” en las que se toma el concepto de “creación colectiva” dejando así al actor autodirigirse ocasionando que estructuralmente, la obra pueda ser un caos. Obviamente, todos estos problemas tienen (y tuvieron) solución inmediata durante el proceso, por lo que la obra resultó buena.

Para concluir este artículo que da para mucho más que hablar (quizá para una segunda parte para que este no se prolongue demasiado), dejo abierta la pregunta que quisiera que Uds. respondan. ¿Padre/Hijo? ¿Cómplices? O como diría el título del artículo en “La Gaceta”, ¿Disputa por el poder?

formspring.me

2010-01-12T01:53:00.003-05:00

Preguntenme lo que quieran! http://formspring.me/RaulSanchez

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Frases célebres de Colegas y Maestros, llenas de Verdad y Pasión

2010-01-07T23:20:00.002-05:00

Quise recopilar las Frases Célebres (y algunas otras no tan célebres, pero no por eso menos importantes) que alguna vez tanto Actores, Maestros de Actuación, Artistas en general o simplemente una frase que alguien dijo e inspiró a millones a continuar en este maravilloso mundo del arte. Siéntanse inspirados por los que lograron mucho. Aquí les va:

“Being an actor is a religious calling because you've been given the ability, the gift to inspire humanity.”

(El gran Sanford Meisner)

“Life beats down and crushes our souls and theatre reminds us that we have one.”
(El gran Sanford Meisner)

"Every little moment has a meaning all its own."
(El gran Sanford Meisner)

“An ounce of behavior is worth a pound of words."
(El gran Sanford Meisner)

"In life, as on the stage, it's not who I am but what I do that's the measure of my worth and the secret of my success. All the rest is showiness, arrogance and conceit."
(Maravillosamente Stella Adler)

"When you stand on the stage you must have a sense that you are addressing the whole world, and that what you say is so important the whole world must listen."
(La maravillosa Stella Adler)

"I regard the theatre as the greatest of all art forms, the most immediate way in which a human being can share with another the sense of what it is to be a human being."
(Oscar Wilde)

"I love acting. It is so much more real than life."
(Oscar Wilde)

“An actor is at most a poet and at least an entertainer.”
(Insuperable aún, Marlon Brando)

"An actor must interpret life, and in order to do so he must be willing to accept all experiences that life can offer."
(El insuperable aún, Marlon Brando)

"The play's the thing, wherein I'll catch the conscience of the king."
(El genio, William Shakespeare, Hamlet)

"Without wonder and insight, acting is just a business. With it, it becomes creation."
(Bette Davis)

“Acting should be bigger than life. Scripts should be bigger than life. It should all be bigger than life.”
(Bette Davis)

“It was only when I realized how actors have the power to move people that I decided to pursue acting as a career.”
(Cate Blanchett)

“With any part you play, there is a certain amount of yourself in it. There has to be, otherwise it's just not acting. It's lying.”
(Johnny Depp)

“On stage you're free. You can say and do things that if you said and did any place else, you'd be arrested.”
(Robin Williams)

"Study, find all the good teachers and study with them, get involved in acting to act, not to be famous or for the money. Do plays. It's not worth it if you are just in it for the money. You have to love it."
(Philip Seymour Hoffman)

"Acting is a question of absorbing other people's personalities and adding some of your own experience."
(Paul Newman)

“Maquíllame el alma, que quiero morir en el escenario, frente al proyector, con el corazón abierto.”
(Anónimo)

“We Artists Create Happiness”
(Anónimo. Lo saqué del diseño de un polo)

Y hay muchos más que quizá publicaré en otra ocasión. Espero les sirva y disculpen mi evidente cariño especial a Sanford Meisner, Stella Adler, William Shakespeare y Marlon Brando.

“Así fue y así será nuestra escena”: Comentando la publicación de “El Comercio”

2010-01-05T02:05:00.007-05:00

El día 2 de enero del presente año, “El Comercio” publicó en su doble cara central de la sección de espectáculos “Luces” una nota acerca de lo que fue nuestro teatro en el 2009 y lo que nos espera este año sobre las tablas. Le di una leída y estos son mis comentarios y opiniones.
Estoy completamente de acuerdo con la dramaturga Sara Joffré cuando dice: “Creo que estamos mucho mejor que antes, pero muy lejos de los sueños de cada teatrista”. Es innegable que a pesar del crecimiento notable que ha tenido nuestro teatro, no llegamos ni a la punta del iceberg de lo que se podría hacer si se junta todo el talento y las ganas que existen en nuestro país. Además “…los sueños de cada teatrista…” es poner la valla bastante alta. Nosotros los teatristas soñamos, somos soñadores, nuestra naturaleza es soñar en grande. Me alegra que la valla esté así de alta, pues nos obliga a ser competentes y a mejorar cada vez más.
Me alegra también que se esté hablando de crear nuevos espacios y afianzar los ya establecidos. Me recuerda mucho la pena que me da caminar por Elías Aguirre en Miraflores y tener que pasar por un Teatro Montecarlo destruido en el cual lo único que queda son las historias que guardan esas paredes, más nada. Un espacio menos para el teatro. También me recuerda con alegría que hasta hace no mucho espacios como “El Galpón” o el espacio en el “Goethe Institut” no existían, o de existir, no se utilizaban o publicitaban como ahora. La noticia de que se abren nuevos teatros y de la magnitud como nos prometen que será el próximo “Teatro Nacional”, me hace sentir como si ya estuviéramos pisando esas tablas. Que sigan abriendo más. Tantas casas abandonadas, terrenos olvidados. Hagamos teatros. En ese tema, David Carrillo habla con la verdad y la prudencia.
Lamento muchísimo, y cada vez más, haberme perdido “Don Juan regresa de la guerra”. Considero que el elenco es de primera. He visto actuar a la mayoría y debo sacare el sombrero ante ellos. Los comentarios son todos positivos. No hay una sola persona que haya visto la obra y no le haya gustado (que haya llegado a mis oídos por supuesto).
“El señor de las moscas”. Todo un tema. Fui a ver esta obra gracias a que dos amigos míos muy queridos actuaban ahí. Me llevé una grata sorpresa. Me gustó mucho. Creo que fue un reto cumplido. Al parecer, no fui el único que se llevó esta sorpresa. Roberto Ángeles y David Carrillo (dos grandes directores de nuestro medio) la mencionan dentro de su “Top 5” del 2009. Esta obra se repondrá, pero esta vez en nuestro lindo Teatro Vargas Llosa de San Borja. ¡Éxitos!

Con respecto a lo que se viene este año, mencionan obras como:

En La Plaza Isil:
“Cocina y zona de servicio” dirigida por Marisol Palacios
“Agosto” dirigida por Juan Carlos Fisher
“La puerta del cielo” (Escrito por Alfonso Santiestevan)
“Cyrano de Bergerac” dirigida por Chela de Ferrari

En el Teatro Vargas Llosa:
“El señor de las moscas” dirigida por Paco Solís
“Extras” dirigida por Alberto Isola
“El celular de un hombre muerto” dirigida por David Carrillo
“Los 39 escalones” de Alfred Hitchcock, adaptada al teatro por Patrick Barlow.

En el Teatro Británico las obras principales serán:
“La reina de belleza de Leenan” dirigida por Ricardo Morán
“Madre Coraje” de Bertolt Brecht, dirigida por Alberto Isola

En el CCPUCP:
“Días contados” dirigida por Marco Muhletaler
“El chico de la última fila” dirigida por Sergio Llusera
“Medea” de Eurípides, dirigida por Giselle Cárdenas

En la Alianza Francesa:
“Estaba en casa y esperaba que llegara la lluvia” dirigida por Gustavo López
“Comer” espectáculo de Teatro Danza dirigida por Mario Ballón
“La sombra” espectáculo de Teatro Danza dirigida por Guillermo Castrillón
“La mujer sin memoria” de César de María
“Un día en la vida de Adriana Lima” de Vanessa Vizcarra
“La mujer de Arena” a cargo de Giovanna Pollarolo y Marisol Palacios

Como para cerrar este post, me gustaría agradecer a “El Comercio” por tomar en cuenta cada vez más al teatro nacional. No debemos olvidar a los mal llamados “teatros chicos” porqué son parte de nuestro patrimonio cultural en el que se crean obras maravillosas también.
Y anunciar que, en una de estas fabulosas obras mencionadas arriba, estaré actuando yo. Debutando así en mi primera obra en temporada estelar a nivel profesional, siendo dirigido y actuando con personalidades de las cuales estoy seguro que aprenderé muchísimo. Los mantendré al tanto de todo esto y serán así parte de mi crecimiento también.
¡Hasta la próxima! ¡Y comenten!

¡Yo estuve en los “CFA AWARDS 2009” y tengo mi taza para probarlo!

2009-12-26T11:59:00.010-05:00

El día 17 de diciembre, los alumnos de la tercera promoción del Conservatorio de Formación Actoral del Británico, organizaron una suerte de premiación en la casa de uno de los alumnos. Evento al que los profesores fuimos invitados.
Si bien es cierto, que premiaciones organizadas voluntariamente por alumnos del Conservatorio ya se habían hecho antes, estos en particular lo organizó de una forma…diferente. Por lo cual debo dar crédito y aplauso. Sinceramente sorprendido.
Una vez más, y como ya es costumbre, a pesar que hago mis mejores esfuerzos por no ser excesivamente puntal a las reuniones, fui el primero en llegar. Por supuesto el evento fue organizado de una forma muy seria, dentro del formato festivo y amical que había por supuesto. Las mujeres usaron sus mejores vestidos y los hombres con camisa y corbata (menos yo, que debo confesar, no soy muy amigo de ser formal. Así que me puse una camisa pero sin corbata). Me sorprendieron muchísimo los preparativos, que al llegar yo tan temprano, tuve la suerte de presenciar. Veía a Toshi Okada separando minuciosamente los galardones (una curiosa bolsita llena de chocolates) y adjuntando cada una de ellas con los sobres que contenían los nominados a cada categoría. Veía a Karla Ruiz preocupada de que los asientos ubicados en el patio de Alfredo Flores estén a una distancia optima como para que se pueda observar bien cada presentación que tenían planeado. Veía a Carolina Quiroz parada con un micrófono (no conectado) en la puerta de la casa esperando a los invitados en la “alfombra roja” mientras Fresia grababa. Había mucho secreto entre ellos. Querían que las presentaciones y lo que veríamos fuese sorpresa, así que esperé con ansias.
Se inicia la ceremonia siendo Karla y Aníbal los anfitriones. Fue muy chistoso escuchar una a una las categorías que iban saliendo. Algunas tan disparatadas como “El /La más tardon(a) del año”, “La peor dicción”, “El acto violento del año” etc. Y otras un poco más tradicionales como “La mejor escena”, “la mejor secuencia de danza”, etc.
Luego de dar tres o cuatro galardones, cada alumno se turnaba para entregar un bloque de premios distinto (hasta a mi me tocó entregar un par). Se dio un break como para que comamos algo porque moríamos de hambre, de paso que se preparaba lo que seguía, las presentaciones en vivo.
Una vez saciado nuestra hambre, retomamos nuestros asientos. El primer deleite de la noche fue un baile de las carismáticas Karla Ruiz, Andrea Olano y Luli Jones, las cuales bailaron y tararearon un mix entre “Thriller” de Michael Jackson y “Fiesta” de Lionel Richie. Decir que me reí mucho, sería poco. A continuación las luces se apagaban. Una música tribal se dejaba escuchar. Desde donde estaba el público sale Wendy Pomar, con ropas atigradas y un antifaz. Una vez que llegó al escenario, fuego. Nada mejor para deleitar la noche que una danza con fuego.

Al terminar las presentaciones en vivo, se continuaron con las premiaciones que quedaban. Para las últimas dos premiaciones, le otorgaron la posta a Leonardo para que leyera los sobres y entregara los premios. Al terminar, la música cambió y comenzó la fiesta.
Este tipo de eventos me llenan de alegría. Demuestran que el estudiar teatro es toda una experiencia, que pasa desde la exigencia y disciplina necesaria para ser actor, hasta la unión y hermandad que se obtiene de estudiar un arte tan complejo con las personas que te acompañaron en dicho viaje.
Sigan así tercera promoción. Lograrán cosas maravillosas.

"Griegos y Troyanas": Las últimas dos funciones

2009-12-19T12:42:00.011-05:00

Miércoles 16 de diciembre. Hora aproximada: 4pm. El elenco entero reunido una vez más en los camerinos del Teatro Británico, acomodando su vestuario y maquillaje. La tensión del último día de funciones se sentía en el aire.
A las 4:30pm, pasada técnica y general antes de las funciones. La sensación en general de esta pasada era: “Estamos fríos” o “No estamos conectados”. Sensaciones que agregaban aún más tensión. Aunque luego entendimos que era normal no estar del todo metidos porque no habíamos tenido un calentamiento previo, ni tiempo para una concentración adecuada.
A las 6:00pm me pude dar el lujo de tomarme un pequeño descanso, porque el resto del elenco tenía que ensayar, junto con Leonardo y Maria Elena Herrera, lo que sería su ceremonia de egreso del Conservatorio. Yo, estaba sentado arriba en mezanine pero en la parte lateral del teatro (ahí es donde me gusta ver algunas cosas en el teatro) y mientras ensayaban y escuchaban las indicaciones de Leonardo, no pude evitar darme cuenta que en dos años, estas personas han crecido espiritualmente frente a mis ojos, y yo, siendo parte de ello también. Lo cual me llenó de alegría y gratitud.
Al término de este ensayo eran ya las 7:00pm y debíamos alistarnos. Es curioso, porque una vez que te cambias, te maquillas y sales los últimos 20 minutos al escenario a calentar voz y dicción, ahí recién caes en cuenta que un público te verá hoy. Recordé inmediatamente que muchos amigos míos muy queridos irían a cualquiera de las dos funciones. En mi caso, es algo curioso, pero los nervios a mi me impulsan, me llenan de energía, de ansias de salir al escenario y entregar lo mejor de mi, canalizar todos esos nervios en goce escénico.
Dieron sala. Teatro lleno. Más de 300 personas ansiosas por verte actuar. Al dar inicio a la obra, ya no hay marcha atrás. Llega el momento de salir a escena y…gozo, soy libre en una realidad paralela. Es tan divertido. Creo que el que no se divierte en el escenario, el que no se regocija en la experiencia y vivencia, es porque su inseguridad lo vence y es ahí donde se pone en riesgo la buena interpretación. Escucho reacciones de gente que no veo. Percibo una sorpresa, cometarios, risas y sobre todo un silencio lleno y profundo, el silencio de un público atento y conectado con la historia. Que hermoso silencio. Termina la primera función. Levantan el telón. Una reverencia, dos reverencias y como el público sigue aplaudiendo, tres reverencias. La función fue un éxito.
Inmediatamente regresamos a los camerinos para iniciar la jornada una vez más. Dos funciones seguidas. Ha sacar energía del viento porque hay que continuar. Inmediatamente recibo llamadas de felicitaciones y con voces sorprendidas me dicen “no imaginaba ver algo así”. Es en ese entonces donde dejo al viento tranquilo, ya no necesito su energía porque esas llamadas me dieron más que suficiente.
La segunda función. Una vez más, teatro lleno (y con la pena de enterarnos que hubo gente que no pudo entrar a la función por no haber más espacio). Una vez más inicia la obra, solo que ahora con público distinto, diverso, joven y adulto. De pronto risas. ¿Risas? ¿Esto acaso no es una tragedia? ¿Estaremos haciendo algo mal? Conforme la obra continuaba las risas fueron compañía casi constante, y sobre todo en la participación de los “Griegos” a los cuales nosotros hemos propuesto como contemporáneos en un contexto de “Troyanas” clásicas. Entonces entendí que las risas eran correctas. Estábamos cumpliendo nuestro objetivo de aligerar tanto drama y tragedia para que el público lo digiriera mejor.
Terminó la función. Primera reverencia, segunda reverencia…tercera reverencia. Se cerró por última vez el telón y como por arte de magia, lágrimas. Pude ver que apenas el telón toco el suelo, Luciana Flores (parte del elenco) llora. Un llanto de emoción que su cuerpo no aguantó. Alegría y nostalgia. El abrazo de una de sus compañeras dio el toque de unión como para terminar la receta. La magia del teatro.
A salir a saludar a nuestro público. Abrazos, felicitaciones y sobretodo alegría sincera en el rostro de todos de ver tus logros.
Estoy enamorado del teatro.

"Griegos y Troyanas": El Estreno

2009-12-13T12:48:00.013-05:00

El miércoles pasado fue el estreno de “Griegos y Troyanas”. Para nosotros, los del elenco, la aventura inició a las 4:00pm cuando iniciamos un ensayo técnico. Es decir, solo pasábamos los inicios y finales de las escenas que requerían pistas musicales, sonidos o de luz. A las 5:00pm iniciamos el ensayo general. Es decir, una pasada de toda la obra como para pulir y mejorar unos últimos detalles de marcación y dirección. A las 7:00pm ya estábamos cada uno a nuestro libre albedrío como para calentar y alistarnos antes de que den sala a las 7:50pm. Era interesante ver como cada actor/actriz tenía un calentamiento distinto y una forma única de manejar el nerviosismo. Al calentar voz y dicción sobre el escenario y con el telón aún abierto llegué a tomar esta foto desde mi celular: La imagen de las butacas vacías del Teatro Británico (que en pocos momentos estarían llenas de gente ansiosa por vernos).
Llegó la hora. Son las 7:50pm así que a salir del escenario y a maquillarse (en mi caso solo simular canas a los lados de mi cabello para darle más edad a mi personaje). En eso escuchamos: “Primera llamada”. Es ahí cuando los nervios del elenco se exacerban y como por arte de magia revisan una y otra vez si todo su utilería y vestuario esta en orden y a la mano. Cuando ya todos estaos cambiados y listos suena a lo lejos: “Segunda llamada”. En ese momento yo estaba muy tranquilo, aunque solo me preguntaba una cosa “Que acaso no vamos a hacer MIERDA”. Juntar al elenco con el director, decir unas palabras, juntar todas nuestras manos y gritar a todo pulmón ¡¡¡MIERDA!!! Antes de una función, no solo nos da fuerzas y energías, sino que también nos recuerda que llegó el momento en que se viera toda esa chamba invertida durante meses, chamba que hicimos juntos. Entonces bajó el director de la cabina, nos convocó a todos, dijo unas palabras de aliento sinceras, juntamos las manos y todos juntos al unísono…¡¡¡MIERDA!!!....y luego silencio. “Tercera llamada”.
El sonido del telón alzándose marca el momento en el que ya no hay retorno. El primer texto de la primera actriz que habla…y el resto es magia. Parece mentira pero para el elenco, una obra que dura una hora y media parece que durara veinte minutos tras camerinos. El tiempo ya no es un elemento real, sino un camino blando en donde ya no caminamos, sino flotamos. Llega el momento de salir a escena por primera vez. Los nervios desaparecen y empiezas a vivir y a existir en escena como el personaje. Cada cosa que dices las dice el personaje, reaccionas como el personaje, respiras como el personaje. Sin que te dieras cuenta, gracias a que haz vivido intensamente todo a tu alrededor, el tiempo pasó y la obra terminó. Ser cierra el telón por un breve instante y luego se vuelve a abrir. El primer contacto con el público que fue a verte. Y descubres, el aplauso. Les gustó. Primera reverencia, segunda reverencia...y como el público sigue aplaudiendo, tercera reverencia. Un éxito. Se cierra el telón y la historia se repite una vez más. Si, son dos funciones seguidas.
Al terminar las dos funciones (agregando por supuesto el ensayo técnico y el ensayo general), terminamos física y emocionalmente molidos. Pero hay q salir y saludar a las personas que amablemente fueron a verte y desean con ansias darte un abrazo.
Una de estas personas fue Alonso, alguien que conocí en Twitter y que es también un apasionado de la actuación, que además tiene un Blog muy interesante en el que escribió sus apreciaciones de la obra. El link es este: http://elteatrodemivida.wordpress.com/ .
Pablo Guerra estuvo tomando fotos durante la función, las cuales prometo publicar apenas las tenga en mi poder. Las fotos que ven en esta entrada son de la sesión de fotos previa a la obra, también tomadas por Pablo Guerra.
No se pierdan “Griegos y Troyanas” que aún queda una fecha: Miércoles 16 a las 8pm o a las 9.30pm en el Teatro Británico de Miraflores. ¡Ingreso Libre!

Frases que todo actor escucha alguna vez

2009-12-06T12:47:00.011-05:00

Se me ocurrió una manera graciosa de educar al mundo acerca de nuestro arte haciendo un pequeño recuento de frases y preguntas que alguna vez me hicieron y escuché acerca de la actuación. Estoy seguro que alguno de Uds. actores/actrices se sentirán identificados y dirán: “¡A mi me dijeron eso una vez!”. Ahí les va.

1.- ¿Y qué haces por la vida?
- Bueno, soy actor
- No pero ese es tu Hobbie, cual es tu Profesión.
PLOP!
(La actuación ES una profesión. Gente se dedica profesionalmente a ella).

2. – ¡A eres actor! ¡A ver actúame algo!
Híper PLOP!
(Como si el actor pudiera “actuar algo” sin preparación y sin contexto, como si fuera una chamba improvisada).

3. - Eres actor, debes ser bueno mintiendo y fingiendo, así que no sé si creerte. PLOP!
(Como si el trabajo del actor fuera fingir y mentir. No señores, el trabajo del actor es vivir y existir en circunstancias imaginarias).

4. – Tu eres actor así que debes ser creativo ¿Puedes ayudarme con este origami?
PLOP!
(Es cierto que nuestra profesión requiere de creatividad, pero no por eso somos genios en manualidades. Yo por lo menos soy una bestia pintando, dibujando, y haciendo origami jajaja).

5. – ¡Como vas a ser tímido si eres actor!
PLOP!
(Dato curioso: Un gran porcentaje de actores son tímidos es su vida cotidiana, y al pararse a un escenario, llenan de luz y energía la escena).

6. – Así que eres actor. Una de dos, o fumas marihuana o eres gay.
Recontra PLOP!
(Es cierto que al ámbito artístico en general se le ha adjudicado la fama de drogas y sexualidad diversa. Más este pensamiento es poco cierto al ser generalizado. Muchos artistas no se drogan y no soy gays. Yo por ejemplo, no fumo ni cigarro y soy heterosexual).

7. – Quiero estudiar actuación porque será terapéutico, me ayudará a relacionarme mejor socialmente y mejorará mi oratoria.
Súper PLOP!
(Con todo cariño y respeto. Si quieren terapia vayan al psicólogo, si quieren relacionarse mejor socialmente vayan a fiestas y si quieren ser mejores oradores tomen un taller de oratoria. La actuación no refuerza estos campos, es más, dependiendo de la técnica de actuación que lleves, quizá hasta sea el efecto contrario. Les aseguro que hay técnicas de actuación, que de terapéuticas, no tienen nada).

8. – Me dijeron que podría ser buen actor porque soy muy expresivo y gestual.
Mmm.....
(Si bien es una ventaja que tus gestos sean notables y tus movimientos corporales sean dimensiónales, no necesariamente por esa razón podrías ser buen actor. La actuación involucra entrar a un estado emocional extremo y que permita la creación desde una circunstancia ajena a la nuestra. Y a esa parte del proceso es en donde muchos no llegan).

9. – Me avisas cuando actúes en cine o televisión para verte, porque el teatro es aburrido.
Súper Hiper PLOP!
(La gente que dice que el teatro es aburrido es porque jamás ha pisado un teatro en su vida, o fue a uno que no le gustó y por eso llama al teatro “aburrido”. Díganme una cosa, ¿acaso cuando van al cine y no les gusta una película dicen “El cine es aburrido”? Los reto a que vayan a por lo menos dos obras de teatro al mes (de diferentes grupos de teatro, diferentes teatros, etc.) y se llevarán con la sorpresa que el teatro NO es aburrido, y quizá en muchas oportunidades, supera la televisión y el cine).

10. – Quieres ser actor ahora porque eres “chibolo”, espera a que crezcas y se te irá esa idea de la cabeza porque verás la realidad.
Súper Mega PLOP!!!!
(Acaso a un cura se le va la idea de ser cura. Acaso a un médico se le va la idea de ser médico. ¿Por qué con la actuación sería distinto? Créanme que no hay nada de fantasía infantil o inmadura en dicha vocación. Al contrario, creo que se necesitan huevos para estar en esta profesión en donde ponemos más que nuestro cuerpo y mente, ponemos nuestra alma en juego).

Espero que les haya gustado. Estas son diez que se me vienen a la mente gracias a recuerdos propios y anécdotas de mis compañeros. Estoy seguro que hay muchas más. En ese caso, si se les ocurre alguna, no duden en escribirla en un comment y la publicaré. Estoy seguro que los que lean este post y estén en el ámbito actoral, se reirán porque a todos nos han dicho estas frases alguna vez. Y para aquellos que fueron los que dijeron estas frases alguna vez, esta es una forma de educar de una manera graciosa lo que nuestro arte es y significa.
¡Servidos!

¡Asumiendo Nuevos Retos!

2009-12-04T16:53:00.000-05:00

Como ya todos saben, estamos en ensayos finales de la obra “Griegos y Troyanas” que se presentará este 9 y 16 de diciembre en el Teatro Británico a las 8pm y 9.30pm (2 funciones cada día). Obra dirigida por Leonardo Torres Vilar, con la asistencia de quien escribe y con el elenco conformado por los alumnos egresados del Conservatorio de Formación Actoral del Británico (INGRESO LIBRE).
El día martes me vengo a enterar de algo muy curioso, penoso en realidad, pero con una consecuencia que me honra mucho, a pesar de lo lamentable del caso vuelvo a recalcar.
Jesús Campos, alumno y parte del elenco de la obra, tuvo un accidente en el que se rompió la nariz al empotrarse contra una puerta de vidrio. Pensamos y quisimos que se recuperára para antes del estreno, pero al parecer esto no será así, lamentablemente.
Lo cual trae como consecuencia que yo seré su reemplazo en la obra. Yo interpretaré a Talthibios 1 (que es así como lo hemos llamado a este primer Talthibios en nuestra adaptación de la obra de Eurípides), el cual es un burócrata agotado por su labor que viene a hacerle saber su suerte a Hecuba (reina de de Troya) y a las troyanas.
Es decir, un personaje que ha ido evolucionando con otro actor (que dicho sea de paso lo hacía bastante bien) durante casi tres meses de ensayo… ¡Ahora tengo yo que lograr el personaje en una semana! Se dan cuenta ahora donde está el reto que asumo. Aunque debo reconocer, que cuando a uno le apasiona algo, retos así los asume con gran placer y honor. Sabiendo que si da todo de sí, no solo obtendrá un buen resultado, sino que también crecerá como profesional y como persona gracias a la experiencia.
Los invito a todos a ver la obra y que de este modo me sepan decir si cumplí con el reto de la forma debida y me den sus opiniones.

A…por cierto. Recibí LA llamada a mi celular. Llamada que sería el inicio de algo muy grande en mi carrera como actor. Producto de esta llamada se concertó una cita para ayer (jueves) a las 6pm (que dicho sea de paso tuve que volar de la sesión de fotos para la obra en la casa de el fotógrafo Pablo Guerra, al lugar de la cita). De esta llamada les hablaré más en el siguiente post. Aunque debo advertirles que no les podré dar mucho detalle…aún.

¿Ser actor o no ser actor? ¿Es ese acaso un dilema?

2009-12-01T00:41:00.001-05:00

Cuando estaba en quinto de secundaria, pasé por un momento terrible. Habían muchos factores que me hacían dudar de mi futuro una vez terminado el colegio. Para empezar la economía. Sabía de antemano que mis padres jamás me pagarían la universidad. Lo cual traía siempre a mi mente aquella odiosa (y no cierta) frase que dicen por ahí: “El que no tiene cartón universitario está fregado”. Algo de cierto tiene. Sí, es innegable que un título universitario es muy útil, pero no porque no lo tengas, morirás de hambre. Nosotros somos más, mucho más, que lo que un pedazo de papel pueda decir. Lo cual me recuerda una frase muy cierta que leí hace poco: “El 99% de lo que somos, es invisible e intangible”. Es decir, somos alma, espíritu, energía o llámenlo como deseen. Así que decidí trabajar. “En algún momento se me iluminará el camino y sabré que es lo mío”, me decía a mi mismo a los 17 años cuando empecé a trabajar en una tienda de discos musicales en el Jockey Plaza. Entonces, ese día llegó. Recibí una llamada a mi celular de una gran amiga del colegio (Verónica Castro) y me dijo: “Raúl, ¿A ti te vacila esto del teatro no?” y yo le respondí que si. “A, porque un amigo esta haciendo su obra musical en el Julieta y necesita un actor ¿Porqué no audicionas?”. Eso fue lo que hice…y la chunté. Claro está que todo era un formato muy amateur, en donde ni el “director” había estudiando teatro más que lo básico que te enseñan en un colegio. Pero así fue mi primera experiencia. Poco a poco me fui metiendo más y más y conocía cosas más profesionales que me atraían mucho…y de pronto CLICK! Me di cuenta que esto de actuar era para mi.
Ahora, yo tengo una ventaja que desgraciadamente mucho no la tienen. Al trabajar yo desde muy joven y al no necesitar nada de mis padres más que un techo (hasta ese entonces), ellos ya no tenían ni voz ni voto en mi futuro. Así que para mi fue muy fácil decirle a mi papá “Voy a ser actor”, porque realmente lo que opinara, no interesaba.
En la actualidad, me topo con gente que me pregunta “Y tu Raúl, ¿Qué haces por la vida?” y les respondo con un orgullo casi solemne… "Soy actor” (en formación y siempre aprendiendo claro está). De pronto sus rostros cambian como si se retrocediera el tiempo a cuando ellos tenían 8 años y era navidad. Sus ojos se llenan de una ilusión casi melosa y dicen “Yo siempre quise ser actor/actriz”. A tal revelación no me queda otra que preguntar “¿Y que pasó?” e inmediatamente los ojos de ilusión se tornan en ojos de resignación con una sana pincelada de resentimiento y responden “Mi papá quiso que yo estudiara…” ¡¡PUTA MADRE!! No hay nada peor que un sueño con alas cortadas.
Pero saben que, no se dejen. Luchen, persigan, insistan, perseveren. Porque les tengo una noticia. ¡El actor NO se muere de hambre! ¡Si se puede vivir de la actuación! Solo que como toda profesión, se tiene que luchar duro. ¿Saben de que no se puede vivir? De la pregunta odiosa que uno se hace en momentos como esos “¿Y que hubiese sido si…?" No se hagan esa pregunta. Hagan algo para conseguir lo que les apasiona. Si te apasiona ser barrendero, serás el mejor barrendero de la historia porque lo haces con pasión. Y así ganarás éxito, y con el éxito vendrá el dinero como consecuencia.
No se Uds., pero a mi no me gustaría saber que el médico que me atiende quiso ser cirquero pero estudió medicina porque no le quedaba otra. Inmediatamente pediría me cambio de doctor, porque ese, seguro me mata.

"Griegos y Troyanas" ...a poco tiempo de estrenarse

2009-11-24T13:28:00.006-05:00

“Griegos y Troyanas”

Hace mucho, mucho tiempo, un griego llamado Eurípides, escribe una obra, de aquellas de las que se acostumbraban en esa época y lugar; una tragedia. Siglos más tarde, el gran Jean Paul Sartre, tomó la obra de Eurípides y la adaptó un poco más a su estilo característico, el existencialismo. En la actualidad, en Lima, Perú; Leonardo Torres Vilar, en conjunto con los alumnos de la segunda promoción desde que se creó el Conservatorio de Formación Actoral, tomamos la obra de Jean Paul Sartre y la adaptamos más a nuestro estilo, el realismo.
Quisimos hacer algo diferente. Con el afán de retarnos nosotros mismos cada vez más, tomamos esta tragedia griega y la convertimos en "acciones" en lugar de "lamentos", la convertimos en "verbo real" en lugar de "declamación". Jugamos también con el contraste de las mujeres y sus dilemas en una formato realista y por otro lado los hombres griegos, opresores, en formato más satírico y bordeando la farsa.
A dos semanas de estrenar esta obra, estamos ya con los últimos retoques, marcaciones y direcciones pertinentes para que el resultado sea como debe ser una obra de teatro: Emotiva, entendible, clara, verosímil y digerible.
El martes pasado tuvimos un ensayo en el teatro (cosa que es un acontecimiento importante, dado que no tenemos muchas oportunidades de usar dicho espacio). Es notable la diferencia cuando un actor/actriz esta acostumbrado/a a ensayar en un espacio distinto a un teatro. Una vez que logras poner en el escenario lo que has ensayado en un salón, por ejemplo, hay muchas cosas que modular, tales como la voz, dicción y que la realidad que esté ocurriendo contigo al interpretar el personaje, ahora sea más dimensional, para lo cual el actor debe subir riesgos y urgencias a lo que le ocurre.
Las fotos de abajo pertenecen a aquel día de ensayo en el teatro, tomadas desde mi humilde celular. Con esto los invito a estar presentes también, los días de funciones que serán: Los miércoles 9 y 16 de diciembre. Funciones: 7pm y 9pm en ambos días en el Teatro Británico en Miraflores. El Ingreso es Libre!

“¡Canta!”
“¡Cantaré!...¡No hay peor mentira que la felicidad!”

Dirección: Leonardo Torres Vilar
Asistencia de dirección: Raúl Sánchez
Producción: Asociación Cultural Peruana Británico
Elenco:
Mónica Madueño
Luciana Flores
Erika Pavletich
Ysabel Corrales
Karla Cáceres
Jesús Campos
Carlos Orbegozo
Arturo Canchari
Rubén Bardales
Mabel Guerra-García *
Carolina Quiroz *
Karla Ruiz *
Ylia Vela *
Jennifer Zarzar **

(*) Alumnas invitadas, de la tercera promoción del Conservatorio de Formación Actoral.
(**) Actriz invitada, egresada de la primera promoción del Conservatorio de Formación Actoral.

Explota!

2009-11-15T16:09:00.000-05:00

Explota

Título sugestivo ¿verdad? Recuerdo que cada vez que me preguntaban “Raúl ¿Cómo se llama la obra?” yo respondía “Explota”, e inmediatamente cantaban el coro de la famosa canción de Rafaela Carrá… "Explota, explota me explo…explota explota mi corazón”… y así me la pasé todo el proceso de publicidad de la obra. El título real de la obra es “Breath boom” de Kia Corthron, pero la traducción literal no se nos hacia muy llamativa y perdía el sentido al ser traducida. Así que a Leonardo (director de la obra) se le ocurrió “Explota” y así quedó.
Esta obra fue el proyecto de fin de año del TUL (Teatro de la Universidad de Lima). Obra en la cual mi participación fue de asistente de dirección, gracias a que Leonardo, una vez más, confió en mí dicha responsabilidad.
Para este proyecto se contó con un numeroso elenco de catorce actrices y dos actores que interpretaban el mismo personaje en funciones intercaladas. La experiencia de tener un elenco tan grande y poder tener una mayor variedad de caracteres y personalidades con las cuales trabajar, es enriquecedora y hasta abrumadora para todo aquel que incursione en la asistencia de dirección de una obra, como era mi caso. Además, al ser una obra universitaria, reunir al elenco que se necesitaba para ensayar cada día era una jarana, dado que los horarios de estudios y labores entre el elenco eran diversos. Aunque debo confesar, que por éste elenco, valía la pena llegar todos los lunes, miércoles y viernes a las 10am. y encontrar que aún nadie había llegado, descubrir veinte minutos más tarde que alguien del elenco no llegaría por algún malentendido o percance, etc. En verdad si valía la pena. Un grupo humano de primera. Gente talentosa que puso su cuerpo y alma en esta obra, y creo que se notó en el resultado final.

El Elenco estaba conformado por (en orden de intervención):
Diana Moscoso (PRIX)
Malu Gil (COMETA)
Rocío Olivera (MALIKA)
Suzetti Hananel (ANGEL)
Fernando Sotomayor (JEROME)
Manolo Subauste (JEROME)
Jely Reategui (GATO)
Sandra Alfaro (SHONDRA)
Daniella Mendoza (FUEGO)
Betty Soto (HIENA/ AMIGA DE JO)
Noelia Flores (JO/ OFICIAL DRAY)
Daniela Camaiora (DENISSE)
Marisol Benavides (JUPITER)
Maria Angélica Ordaya (PIMIENTA)
Marien Cachay (CHICA)
Natalia Torres Vilar actriz invitada (MADRE)

Y por supuesto, nada de esto hubiera sido posible sin el productor Diego Gargurevich (que hizo una excelente labor), el estrés invertido de la jefa de escena Diana Concha, la música emotiva de Gonzalo Balbín, la precisión instintiva del jefe de cabina Diego Dávila y la lucha coreografiada de Gonzalo Otero.

Debo reconocer que estoy orgulloso de todos y del resultado. Fue especial porque todos dejamos una parte de nosotros en esta obra, lo cual la hizo nuestra. En particular me daba orgullo y me alegra que alumnos míos del ciclo de verano, participaran en esta obra y aprendieran más durante del proceso (Daniella Mendoza, Betty Soto, Marisol Benavides y Diego Dávila).

Y así fue la primera obra en la que asistí en dirección, la primera vez que tuve que fungir de director durante las funciones y dar notas a un elenco, la primera vez que cogí un micrófono y que antes de cada función tenía que pronunciar estas palabras:

El taller de teatro de la Universidad de Lima les da la bienvenida
a la obra de teatro “Explota”
escrita por Kia Corthron
y dirigida por Leonardo Torres Vilar.
Se les recuerda que está prohibido consumir
alimentos, bebidas, tomar fotografías,
y entrar y salir del teatro durante la función.
Se les ruega tomarse unos segundos
para apagar sus celulares,
EN ESTE MOMENTO. (10 SEGS DE ESPERA)
La obra consta de dos actos
con un intermedio de diez minutos.
Agradecemos su presencia,
disfruten de la función…
TERCERA LLAMADA.

Por todo esto debo agradecer mucho. Gracias.
Gente de “Explota”, nos veremos en las tablas otra vez. Ya lo verán.

Ahí les dejo videos inéditos grabados desde mi celular de algunas escenas durante ensayos:

¿Quien soy?

2009-11-09T22:32:00.000-05:00

De Profesión: Actor/ Profesor de Actuación.

Ejerciendo el arte desde el año 2004 (aunque uno siempre lo lleva por dentro). He pasado desde actuar en las obras del Colegio Markham (dirigidas por Sandro Calderón) en mi etapa escolar, seguido de actuaciones en musicales tales como “Grease” y “Jesucristo Superstar”. Aunque en ese entonces aún no había adquirido estudios de actuación, considero que fue un buen primer paso. El instinto de crecimiento personal me obligó a dar el siguiente paso lógico; estudiar actuación. Así fue como llegué al, en ese entonces, taller de actuación dictado por Leonardo Torres Vilar en La Asociación Cultural Peruana Británico de un año de duración (Foto a la derecha, y aunque no lo crean, detrás de Leonardo, al fondo, el que esta sobre la escalera, soy yo). Con el empeño que solo una pasión ejerce y con el incondicional apoyo de mi hermana Tanna Sánchez y mi cuñado Rodolfo Ponce, logré egresar de dicho taller donde descubrí la técnica de actuación que se convertiría por el resto de mi vida en la indicada para mi; nada más y nada menos que el método de actuación creado por el gran Sanford Meisner (El hombre en la foto de la izquierda), quien tomó El Método de Lee Strasberg, que a su vez es una variación de La Técnica de C. Stanislavsky, y la mejoró. Fueron surgiendo trabajos actorales en videoclips, tales como en “¿Qué pasa?” de Gianmarco Zignago (2006) ( http://www.youtube.com/watch?v=-TXwSxH-BCw ) y “Artificial” del grupo Kendall (2007) ( http://www.youtube.com/watch?v=pheuyM1vMV8 ), en diversos cortometrajes tanto universitarios como independientes y en producción de eventos y obras tales como “Monólogos D’A3” y “Chepibola” (shows de Stand up Comedy protagonizados por Carlos Palma, Junior Silva y Guillermo Castañeda en el Jazz Zone y en el Satchmo de Miraflores) (La foto de la derecha) y en “Guerras Privadas”, obra que se llevó a escena en el ICPNA de Miraflores (2008). Fue en el año 2007 cuando recibí un e-mail muy importante con una propuesta que cambiaría el rumbo de mi carrera actoral. Leonardo me ofrecía ser el Jefe de Prácticas/Asistente de lo que había ese año dejado de ser el taller para convertirse en el Conservatorio de Formación Actoral. Ni corto ni perezoso, acepté. A raíz de esta aceptación fui creciendo día a día hasta que pude convertirme en Co-Profesor del curso de Actuación el año 2009, año en el que también se apostó por mí una vez más y llegué también a ser profesor del taller de la Universidad de Lima en el ciclo de verano (nada más, y nada menos). En las tablas he participado en obras como “Stags and Hens” de Willy Russel en el Teatro Británico y dirigida por Leonardo Torres Vilar (Foto de la izquierda, interpretando a Eddy de "Stags and Hens") , “El teatro del gran mundo: The Beginning” dirigida por Carmen Santur en el “X Festival de Artes Escénicas” de la PUCP (Foto de la derecha), “El Penthouse” escrita y dirigida por Alfonso Pagaza en el Centro Cultural España y un fragmento de “Timón de Atenas” de William Shakespeare presentado en el Anfiteatro Chabuca Granda. En la actualidad, además de continuar mis labores actorales y de docente, estoy incursionando también en la asistencia de dirección en dos obras: “Explota” de Kia Corthron, estrenada en octubre (Universidad de Lima) (Foto de la izquierda y tema de la proxima entrada) y “Las Troyanas” de Eurípides (Teatro Británico) proxima a estrenarse en diciembre. Ambas dirigidas por Leonardo Torres Vilar.

La aventura recién comienza, aún me quedan muchas experiencias por vivir y mucho por crecer. Solo que ahora serán ustedes testigos de lo que viene.

Tomen asiento y disfruten de la función.

¡Bienvenidos!

2009-09-27T17:09:00.009-04:00

¿Por qué un BLOG?

¿Porqué escribir un Blog? ¿Cuál es la necesidad del ser humano actual de hacer pública sus experiencias y vivencias? ¿Qué necesidad hay que otros sepan que ocurre en tu vida? Y más curioso aún ¿Qué necesidad tienen los demás de saber las experiencias y vivencias de otras personas?

No puedo hablar por todos, pero si puedo hablar a nivel personal y lanzar, osadamente, algunas teorías basadas en mi comprensión de la conducta humana.

Los productos nacen para satisfacer las necesidades humanas. Esto quiere decir que, fenómenos como “Facebook”, “Twitter”, “Hi5” y hasta los “Blogs” nacen por la necesidad del ser humano de exponerse, contar lo que hacen paso a paso, invitar al mundo entero a que sean parte de sus vidas. Además, creo yo que hay un elemento social importante en todo esto; la identidad. El hecho de saber que persona “X” tiene gustos similares a los tuyos, vivencias en común (o en todo caso que desees que te ocurran) y el mismo afán de contarlas, abriendo así las puertas su mundo para que formes parte de él; hace que se formen círculos de gente que se juntan por intereses en común. Fenómeno que se ve desde comienzos de nuestra era. No puedo negarlo, esa es una de las razones por las que cree mi Blog. Es mi forma de abrir una puerta e invitar a quien desee ser parte de mí.

Aunque la razón principal radica y recae básicamente es una sola persona, mi hermana.

Este año mi hermana (Tanna Sánchez, 26) viaja a Canadá con su esposo (Rodolfo Ponce). Lo cual no estaría nada mal, a no ser porque ya consiguieron la residencia y piensan radicar ahí. No me mal entiendan, me alegro mucho por ellos, creo que aquí ya llegaron a su punto máximo, y si la única forma de crecer es irse a un lugar donde tienen más oportunidades, pues tienen todas mis bendiciones. Aunque la verdad es que se dice que no hay tal cosa como el altruismo puro, que siempre hay un interés egoísta en todo lo que se hace. No puedo negar el hecho que la felicidad de ambos da como resultado a su vez una enorme tristeza en mi. Habrá miles de kilómetros de distancia entre la persona que más amo y yo.

Por lo tanto, este Blog es una forma de conectarme con ella también, y que tome todo lo que vaya a leer como una convivencia, como si nunca se hubiera ido lejos, como si estuviéramos juntos.

Al igual que a ella los invito a todos ustedes que formen parte de mi vida y que al quedar mis vivencias, experiencias y pensamientos, me ayuden de alguna forma a lograr algo que siempre he deseado; la inmortalidad.

“Tercera llamada…¡Disfruten la función!”